entre nous soit dit

Made in Deutschland 2007 (4) : Wir Sind Helden

2008-01-11T17:54:00.000+01:00

Wir Sind Helden sont sans aucun doute le groupe d'"indie-rock" allemand le plus populaire avec 1,2 millions de disques écoulés en seulement deux albums. Ils sont bien malgré eux également responsables d'une nouvelle "Neue Deutsche Welle" qui a vu des groupes comme Juli ou encore Silbermond tenter leur chance (à grands renforts de budgets marketing de majors ayant flairés la bonne affaire) en utilisant la meme formule "groupe de rock avec chanteuse", avec nettement moins de talent. Beaucoup les attendaient au tournant après "Die Reklamation", leur premier album truffé de perles pop mais ils n'avaient pas déçus en livrant "Von Hier An Blind", album un rien plus calme mais extrêmement réussi. Ils ne s'y étaient pas trop éloignés des sentiers battus mais réussissaient le tour de force de faire au moins aussi bien que leur coup d'essai, prouvant au passage qu'ils n'étaient pas de simples "One Hit Wonders". Ils l'affirmaient d'ailleurs ironiquement avec le premier single de l'album, "Gekommen um zu bleiben" (venus pour rester). Leur humour et volonté de ne pas "se prendre la tête" est d'ailleurs un des aspects qui a rendu ce groupe si attachant.

Nous sommes en 2007, les ersatz ont plus ou moins disparus en même temps que l'euphorie pour cette nouvelle scène et Wir Sind Helden sort son très attendu troisième album. Malheureusement pour eux et pour nous c'est cette fois-ci une légère déception. Je ne parviens toujours pas à me faire à leur nouveau single "Endlich Ein Grund Zur Panik", malgré un clip amusant pastiche des films de science fiction japonais. Ils donnent un peu l'impression de chercher une nouvelle voie avec des titres comme celui là ou encore "An die Arbeit", délaissant légèrement au passage ce qu'ils font de mieux. Si c'était leur coup d'essai ils seraient plus que probablement élevés en héros (sic) et sauveurs de la pop allemande de qualité seulement c'est leur troisième album, et ils nous ont habitué à mieux. Difficile d'évaluer ce disque indépendamment de son hérédité. Il reste de (très) bonne facture avec des petits tubes pop dans la plus pure veine Wir Sind Helden comme "Der krieg kommt schneller zurück als du denkst" ou encore "The Geek" et ils varient leur formule avec succès en empruntant sans vergogne les guitares de Interpol sur "Labyrinth" ou encore des riffs à la Babyshambles mêlés de cuivres sur "Die Konkurrenz". Seulement pour la première fois on retrouve également des titres sans âme, en pilote automatique, tels "Hände Hoch" et "Soundso" qui semblent d'ailleurs être la même chanson et ne font que rappeler amèrement leurs succès passés. Un album en demi teinte donc, qui souffre probablement injustement de ses illustres aïeux mais qui pris pour ce qu'il est reste un album de qualité. Peut-être est-ce une sorte de transition. Espérons que ce soit pour le meilleur.

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Wir Sind Helden - Der Krieg kommt schnelle zurück als du denkst

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Wir Sind Helden - Endlich ein Grund zur Panik

Made in Deutschland 2007 (3) : Jens Friebe

2008-01-10T16:45:00.000+01:00

Après quelques années dans des groupes restés relativement méconnus, Jens Friebe a sorti son premier album solo "Vorher Nachher Bilder" (Images avant après) en 2003. Artiste prolifique, quatre ans plus tard il en est à son troisième opus "Das mit dem Auto ist egal, Hauptsache dir ist nichts passiert" (C'est pas grave pour la voiture tant qu'il ne t'est rien arrivé), qu'il sort quelques mois à peine après un livre recueil de billets de société publiés en ligne sur son blog, tout en écrivant régulièrement des chroniques pour le magazine Berlinois Intro. Comme lui, sa musique ne se cantonne pas à un style mais virevolte constamment entre des chansons pop/rock assez conventionnelles mais terriblement accrocheuses ("Neues Gesicht", "Du Freust dich ja gar nicht") et des titres sur lesquels il noie ses textes dans des bruitages au synthétiseur tel un Casiotone For The Painfully Alone à qui un médecin bien avisé aurait enfin prescrit quelques anti-dépresseurs ("Jeu de cons"). Tantôt romantique ("Nothing Matters when we're dancing"), tantôt autoparodique ("Hass, Hass, Hass"), tantôt faussement blasé ("Erschreckend Aktuell"), à la manière d'un Ray Davis Jens Friebe s'invente dans ses chansons des petits personnages qu'il utilise pour offrir un point de vue sur le petit monde qui l'entoure. Jouant beaucoup avec les mots et possédant une écriture sensible les non germanophones passeront forcément à côté d'une partie importante de son oeuvre mais cet album reste quoiqu'il arrive très agréable par ses mélodies et quelques tubes en puissance comme ce "Frau Baron" proposé ci-dessous en écoute.

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Jens Friebe - Frau Baron

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PS: Si quelqu'un qui possède l'album pouvait me confirmer que la version acoustique de "Neues Gesicht", présente en piste cachée, ressemble à s'y méprendre au "Spitting Venom" de Modest Mouse cela m'appaiserait la conscience. merci.

Made in Deutschland 2007 (2) : Die Türen

2008-01-09T12:22:00.000+01:00

Die Türen est l'alter ego allemand des groupes twee/indie-pop anglais. Rien à voir donc avec leurs homonymes américains (The Doors) si ce n'est une utilisation intensive de piano, et parfois même de Wurlitzer ("Ehrliche Arbeit"), en tant qu'épine dorsale de leurs chansons. Chansons dont les rythmes rappellent tantôt Little Richard, tantôt du swing, tantôt le générique de la panthère rose, tantôt un tube disco, tantôt le tout à la fois... mais ils parviennent pourtant toujours à s'ancrer dans leur époque. A l'instar de beaucoup de groupes de la scène anglaise, et je pense particulièrement à Los Campesinos en ce moment, leur musique possède un aspect de fun prédominant et leurs textes sont truffés de références culturelles à d'autres groupes, à des magazines, à la scène indépendante Berlinoise, etc. On est très loin des préoccupations émotionnelles, spirituelles où historiques de beaucoup de groupes allemands. Avec leur troisième album "Popo", die Türen prouvent toutefois qu'ils ne sont pas qu'une anecdote amusante dans le paysage musical allemand, qu'il est possible de faire de la musique de qualité en allemand sans spécialement se prendre très au sérieux. Mine de rien, au passage ils parviennent à composer l'hymne ultime à Berlin ("Indie Stadt") et une série impressionante de petits tubes qui raviront les amateurs d'Indie-Karaoke ainsi que les dance floor des clubs alternatifs. Toujours avec une certaine dose d'autodérision, "Er ist uncool! Aber uncool ist das neue cool!" (Il est pas cool! Mais ne pas être cool c'est le nouveau cool!").

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Die Türen - Indie Stadt

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Made in Deutschland 2007 (1): Tocotronic

2008-01-08T16:10:00.001+01:00

Avec "Kapitulation", leur huitième album studio depuis leurs débuts en 1993, Tocotronic (à ne pas confondre avec Technotronic) livre sans aucun doute possible mon album germanophone préféré de l'année 2007. Il a raté de peu mon top 11. Je l'aurais écouté quelques fois de plus qu'il y aurait probablement figuré. Je suis loin de connaitre toute la carrière du groupe mais cet album a un goût d'aboutissement. Des textes travaillés, facilement compréhensibles pour quiconque possède une petite connaissance de l'allemand mais surtout un phrasé et une musique agréable qui rendent dispensable la signifaction des mots, bien qu'ils soient un des points fort de l'album. "Kapitulation", premier single tiré de l'album, liste tous ces petits moments de la vie durant lesquels on a envie de tout envoyer valser, de se rendre, sur un ton de douce empathie rassurante. "Verschwör dich Gegen Dich" ou "Imitationen" évoquent les meilleurs moments de British Sea Power (bien que cela devrait être le contraire vu l'age des groupes), mélodies et travail à la guitare électrique impeccables. Tocotronic exhibe également sur des titres comme "Mein Ruin" ou encore le superbe épilogue "Explosion" un côté bien plus sombre, sur lequel plane inévitablement l'ombre de Blixa Bargeld et ses Einstürzende Neubauten. Des influences parfaitement assumées et quinze ans d'expériences résumées en douze titres. Un must.

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Tocotronic - Kapitulation

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Tocotronic - Verschwör Dich Gegen Dich

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Made in Deutschland 2007 : Introduction

2008-01-08T13:47:00.000+01:00

La musique contemporaine allemande à toujours eu beaucoup de mal à s'exporter. L'allemand est une langue dure, gutturale, peu appréciée en chanson dans les pays où elle n'est pas pratiquée. Ce faisant, rare sont les groupes germanophones qui parviennent à percer à l'international. La mémoire collective européenne se rappellera probablement de la sympathique Nena et son "99 Luftballons" dont le succès ne fut réellement scellé qu'après une version en anglais, de la torture musicale que fut le "Ein Zwei Polizei" de Modo au début des années 90, ou bien plus récemment du "Durch den Monsun" des ineffables Tokio Hotel et leur chanteur issu d'un croisement entre Tina Turner (version 80) et Victoria Beckham. Pas de quoi épater la planète entière en somme. La musique allemande recèle pourtant de petits bijoux que j'essaye régulièrement de dénicher en tant que germanophile convaincu. Ces quelques dernières années le pays de Goethe nous a gratifié de quelques très bons groupes ayant atteint une certaine notoriété dans leur pays mais incapables de franchir le Rhin, encore moins un océan. Je vous propose donc dans les sept prochains jours, au rythme d'un court billet par jour, de découvrir certains des meilleurs morceaux du rock "indie" allemand de 2007. Ces sept billets n'auront pas la prétention de vous faire découvrir l'"underground" allemand, les groupes présentés sont relativement bien établis outre-Rhin, mais plutôt de jeter un regard curieux sur quelques groupes dignes de notre intérêt .

Ola Podrida

2008-01-05T21:01:00.000+01:00

En guise de premier billet de 2008 j'ai choisi de revenir sur un des albums qui est parvenu à se hisser dans mon top 11 de l'année 2007 et dont je n'ai encore jamais parlé. Ola Podrida est un projet musical mené par David Wingo, jusqu'ici plus connu pour son travail en tant que créateur de bandes originales pour films indépendants américains. Il a ainsi entre autres composé la musique de Snow Angels, Guatemalan Handshake ou encore All the Real Girls, tous réalisés par David Gordon Green. Oui, moi non plus. Quoiqu'il en soit cet américain a sorti en toute discrétion mon album de folk délicate préféré de l'année dernière. Sorti en mai, ce n'est que fin novembre à l'heure ou les sites spécialisés commençaient déjà à compiler leurs listes de fin d'année que j'ai découvert sa musique. Coup de foudre immédiat et bienvenu après la légère déception que fut pour moi le dernier Iron&Wine (avec qui les comparaisons sont inévitables).

David Wingo et sa bande s'exposent donc avec ce premier album éponyme pour la première fois au premier plan. Plus question d'accompagner les images d'un autre, la musique est maintenant l'unique centre d'intérêt. Le cinéma n'est pourtant jamais très loin car ils lui empruntent quelques techniques de narration. Tous les titres de cet album sont de véritables petites histoires dans lesquelles Wingo aime planter le décor ("The car crashed, everybody was OK"), décrire l'ambiance ("Dogs sleeping out in the yard, cats upon the roof"), créer des scènes d'action (le personnage de "Cindy" qui s'engoufre dans un bâtiment en flammes par exemple) et ménager des rebondissements mélodiques. Il accompagne son chant murmuré d'orchestrations discrètes à la guitare sèche. Ola Podrida est un groupe mais la plupart des titres restent pourtant dans un registre très dépouillé où le seul autre instrument est un tambourin ou une maracasse donnant le rythme. En tendant l'oreille on découvre pourtant d'autres instruments subtilement amenés. Une deuxième guitare qui s'entremêle, une troisième, quelques notes de piano ou d'orgue, une flute traversière, qui parviennent tous à se faire oublier au profit de l'ensemble. Certains morceaux comme "Lost and Found" ou "Jordanna" n'hésitent pourtant pas à rompre la quiétude qui s'était installée. La machine s'emballe et David Wingo s'époumone légèrement offrant ainsi à l'auditeur une diversité bienvenue, rendant la quiétude à suivre d'autant plus agréable. Avec de telles qualités, ils sont les bienvenus pour réaliser la B.O. de ma vie quand ils veulent.

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Ola Podrida - The New Science

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Ola Podrida - Jordanna

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Bilan d'une année musicale

2007-12-27T12:49:00.001+01:00

Mois de décembre très calme sur entre nous soit dit, comme vous l'aurez peut-être remarqué. Ce n'est pourtant pas par manque d'inspiration, de coups de coeur musicaux ou de sujets à aborder, simplement un manque de temps dû à des déplacements à l'étranger et un agenda chargé. Tout cela ne m'a néanmoins pas empêché d'écouter des nouveautés, de réécouter quelques perles plus anciennes et d'assister à des concerts mémorables dont je vous entretiendrai probablement dans les prochaines semaines. Ce blog continuera donc en 2008, après une première année très agréable et un succès d'estime inattendu. Il restera pour moi un simple plaisir, né d'une envie d'écrire et de partager. La fréquence des billets ne s'accélèrera pas, l'objectif est toujours de un par semaine. L’idée est de me permettre de ne pas devenir esclave de mon passe-temps, de tenter d'écrire des billets réfléchis, et d’éviter l’overdose aux lecteurs réguliers (personnellement je ne lis quasiment aucun blog régulièrement, leur rythme m'épuise).

Pour cloturer cette année 2007, je ne peux m'empêcher de succomber au vice de tous les nerds musicaux, les listes de fin d'année. 2007 fut un très bon cru en ce qui me concerne: plusieurs grandes découvertes, quelques très beaux albums d'artistes confirmés et une proportion inhabituelle de concerts qui ont fait leur entrée dans le hit-parade des plus belles expériences live de ma vie (liste que je n'ai en fait jamais tenté d'établir). Je ne suis pas un grand amateur de ce genre de listes. Je suis en fait complètement incapable d'établir un top10 officiel de mes albums préférés de cette année. Mon appréciation de la musique dépend tellement de mon humeur, du lieu ou encore de la période de ma vie à laquelle je l'écoute. L'album qui m'a complètement scotché il y a quelques mois peut très bien être en train d'accumuler la poussière à l'heure qu'il est, non pas parce que je ne l'aime plus mais parce que je manque d'envie de l'écouter à ce moment précis. Une quelconque tentative de classement de fin d'année serait inévitablement biaisée par les albums qui me passionnent à l'heure ou je compile la liste. Voici donc, par ordre alphabétique, les onze albums qui m'ont le plus marqué cette année (onze parce que je ne sais pas lequel je pourrais retirer de la liste pour arriver à dix). Certains dont j'ai parlé, certains dont je n'ai pas parlé, certains dont je parlerai peut-être.

Elliott Smith - New Moon
Frog Eyes - Tears of the Valedictorian
Handsome Furs - Plague Park
Hearts of Black Science - The Ghost you Left Behind
Marissa Nadler - Songs III : Bird on the Water
Napoleon IIIrd - In Debt To
Okkervil River - The Stage Names
Ola Podrida - Ola Podrida
Panda Bear -Person Pitch
Sunset Rubdown - Random Spirit Lover
The National - Boxer

Les deux enregistrements que j'ai le plus écouté cette année n'étaient pourtant pas des albums, mais bien des EP.

Adam Gnade & Youthmovies - Honey Slides
This Town Needs Guns - Split (with Cats and Cats and Cats)

Voilà pour les enregistrements. C'est pourtant en live que j'apprécie le plus la musique. Voir les morceaux que l'on connaît prendre vie, être retravaillés, être livrés sans intermédiaires peut-être source d'une satisfaction bien plus élevée qu'un enregistrement, comme cela peut être une déception. L'expérience live est pour moi indissociable de la musique en général. A l'aide de mes places usagées et de ma pauvre mémoire, j'ai pu totaliser 75 concerts en 2007, le véritable nombre se situe probablement un peu au dessus étant donné que j'ai probablement oublié quelques premières parties qui n'ont pas laissé de traces. Malheureusement pas de festival d'été cette année, j'espère me rattraper l'an prochain. Parmi ces 75 concerts je me sens beaucoup plus capable de dresser un classement que pour les albums. Certains artistes qu'on adore déçoivent, d'autres surprennent. Voici donc, dans l'ordre cette fois, ceux qui en 2007 m'ont laissé sur mon derrière.

Akron/Family @ AB-Club - 17.04.07 - Bruxelles
Justice @ Übel und Gefärlich - 12.07.07 - Hamburg
Patrick Watson @ Botanique Rotonde - 10.05.07 - Bruxelles
Scout Niblett @ La Chapelle de Boondael - 30.05.07 - Bruxelles
Okkervil River @ Knust Club - 27.11.07 - Hamburg
Emmy the Great @ King's College - 06/11/07 - London
The Blood Brothers @ Trix - 29.01.07 - Antwerpen
Frog Eyes @ D-Cliq - 31.10.07 - Luxembourg
Handsome Furs @ Cactus - 07.10.07 - Brugge
Beirut @ Postbahnhof - 05.07.07 - Berlin

En espérant que le cru 2008 soit aussi bon que le cru 2007, je vous souhaite une bonne année.

Jonquil

2007-11-26T19:22:00.000+01:00

Alors que l’hiver frappe à la porte l’envie de nous réchauffer au coin du feu de bois nous prend, un Jack Daniels à la main bien sûr, et les pieds solidement engouffrés dans la fourrure d’un ours blanc, cela va de soit. A cette petite scène bucolique loin du cliché hivernal manque pourtant un élément, la bande son. Ces quelques dernières semaines, « Lions », le deuxième album de Jonquil s’est montré un compagnon d’hibernation idéal. Les orchestrations légères et détachées y créent une atmosphère totalement envoûtante, évoquant tantôt la nonchalance parfaitement maîtrisée du premier album lo-fi de Akron/Family (« Lily »), tantôt la douceur de vivre aux teintes western d’Iron & Wine (« Magdalen Bridge »), ou encore certains passages de beauté nostalgique du « Tower of Love » de Jim Noir (« Sudden Sun »). Ce « Sudden Sun » justement est un bel exemple de l’étendue de la palette mélodique et rythmique du groupe, capables avec un simple rythme de métronome et quelques harmonies de transformer une balade sensuelle en un petit hymne joyeux à reprendre entre amis.

Mélangeant sans prétention des éléments puisés dans la pop, le folk, le post-rock et même le gospel, Jonquil séduit sans noyer l’auditeur. Ils nous ménagent même de subtiles transitions instrumentales entre les moments les plus forts du disque. La délicatesse et la fluidité avec laquelle ils mènent l’auditeur à l’un des points culminants de leur album, « Lions », est consternante. Quelques légères notes de xylophone se transforment en un rythme d’accordéon parisien ouvrant la voie à une chorale contant quelques brefs instants l’histoire d’un monde ou les lions auraient remplacés les hommes. Sorti de nulle part, ce morceau y replonge aussitôt, accompagné de bruits d’orage. On aimerait le suivre, voir ce qu’il advient de ce spectre rapidement évanoui mais le groupe à d’autres projets pour nous, d’autres horizons à nous faire découvrir.

Tout n’est pourtant pas réussi. Des titres comme « Whistle Low » manquent de peu de sombrer dans le grotesque lorsque les différents chanteurs prennent des voix graves et on ne peut s’empêcher d’éprouver un léger sentiment de redondance arrivant à la fin de l’album. Un goût d’inachevé également sur certains morceaux comme « Sleepy Little Pudding » où les bonnes idées et jolies cordes sont rapidement écartées pour laisser place à des divagations à l’intérêt limité. C’est là un des partis pris du groupe auquel il faut se faire pour réellement apprécier l’album, les plus beaux moments sont de courte durée. « I guess I should be afraid, thing is that’s a big decision » déclarent-ils, résumant ainsi parfaitement leur musique, ambitieuse mais insouciante. Enormément d’idées, d’assemblages et de bricolages qui entre les mains d’un autre groupe pourraient vite atteindre des sommets d’autosuffisance mais qui sur l’album de Jonquil s’imbriquent joliement, se complètent, ravissent et disparaissent bien avant de pouvoir être saisis.

Jonquil - Sudden Sun

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Jonquil - Lions

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Myspace

En rédigeant cette chronique je suis tombé sur un « Concert à Emporter » de la Blogothèque

avec Jonquil. Ce serait dommage de ne pas en profiter.

#72 - JONQUIL - Part1

#72 - JONQUIL - Part2

Blood Brothers R.I.P.

2007-11-23T20:22:00.001+01:00

Après des semaines de rumeurs la nouvelle a été communiquée officiellement via leur site internet, les Blood Brothers ne sont plus. "Young Machetes", leur cinquième album sorti fin 2006, décrié comme leur pire opus par les fans de longue date était pourtant un de mes disques de l'année. Après un premier essai en demi teinte sur l'album précédent "Crimes", ils y avaient enfin trouvé l'équilibre entre les cris stridents et autres hurlements caractéristiques et leur sens de la mélodie qu'on leur soupçonnait depuis "Burn Piano Island Burn" mais qu'ils s'obstinaient depuis toujours à ensevelir sous leur son brutal. Beaucoup ont pensé qu'ils s'étaient ramolis mais ils livraient en réalité un album beaucoup plus subtil et varié. D'entrée de jeu les Blood Brothers donnaient le ton avec leur plus grand single, "Set Fire to the face on fire". Véritable hymne pyromane, à hurler dans sa voiture en reproduisant maladroitement les percussions sur son volant. Loin d'être un coup dans l'eau ils surenchérissaient sur le même album avec l'immense "Laser Life". "Young Machetes" est en fait l'album le plus chantable du groupe. Impossible de s'empêcher de les accompagner sur "Spit Shine Your Black Clouds" qui frole la balade romantique pour eux, d'hurler pendant "Vital Beach", d'entonner les "wooh-oh, oh oh oh!" de "Huge Gold AK-47", etc. C'est sans aucun doute mon album préféré des Blood Brothers et celui vers lequel je reviendrai le plus.

Les Blood Brothers ne sont donc plus et avec eux c'est tout un pan de mon univers musical qui est menacé d'extinction. Je ne veux pas être condamné à n'assister qu'à des concerts de folkeux pleurant sur leur guitare acoustique et autres bizaroïdes s'entourant de boites à rythme, pedales loop et synthétiseurs bricolés. Quel groupe pourra à l'avenir me fournir le bon concert énervé semestriel? Le paysage est loin d'être rose pour l'instant. Je ne crois pas en la reformation de Rage Against The Machine, At The Drive-In ont jeté l'éponge il y a des années, Death From Above 1979 aussi, Mclusky n'en parlons pas... Heureusement aucun des musiciens ne sont morts et ils sont tous actifs dans d'autres projets mais aucun n'atteignent le niveau du groupe qui a fait leur renommée. Jaguar Love et Neon Blonde, tous les deux issus des Blood Brothers peinent à convaincre. J'ai jamais pu encaissé The Mars Volta et malgré un bon premier album Sparta semble devenu un brin anecdotique. Seul Future of the Left, issus des cendres de Mclusky, sortent leur épingle du jeu avec "Curses" un des meilleurs albums de rock couillu de l'année.

Le quintet de Seattle nous quitte au sommet de son art, ça vaut probablement mieux comme ça. Avec leurs cinq albums et les deux concerts auxquels j'ai assisté (Pukkelpop 2005, Trix 2007) ils auront au moins contribué honorablement à me détruire les tympans. Merci.

This Town Needs Guns

2007-11-09T16:56:00.001+01:00

La chronique des quatre titres de This Town Needs Guns présents sur l'album qu'ils partagent avec Cats and Cats and Cats, sorti mi septembre sur le label indépendant Big Scary Monsters (Yndi Halda, Meet me in St Louis, Jeniferever) me trotte dans la tête depuis quelques temps. J'écoute ces chansons tous les jours depuis des semaines, souvent plusieurs fois par jour, et je peine à identifier ce qui me séduit tellement chez ce quintet d'Oxford. Formation classique guitare/voix/basse/batterie/piano pratiquant un rock à la croisée des chemins de l'indie londonienne et des techniciens mélodiques du Nord de l'Angleterre on ne peut pourtant pas dire que le groupe révolutionne un genre. Peut-être est-ce le jeu de guitare, beau et rapide, technique sans en faire trop, privilégiant constamment la mélodie à la prouesse, dénué d’accords traditionnels, qui transforme véritablement la guitare en une deuxième voix, un second vecteur d'émotion. Ou encore ce piano qui accompagne subtilement les moments les plus doux de leur musique, sachant se faire oublier lorsqu'il n'est pas nécessaire, pour revenir en beauté souligner les plus beaux passages. Ou tout simplement la voix de Stuart Smith, toujours dans la retenue, parfaite pour des déambulations nocturnes nostalgiques dans les ruelles d'une ville pluvieuse. Nos groupes préférés ont tous un moment optimal pour être écoutés et pour moi c'est dans cette situation que j'apprécie le plus This Town Needs Guns; en rentrant chez moi de nuit, casque fermement vissé sur les oreilles, mains dans les poches, affrontant une fine bruine, le visage illuminé par les phares des voitures, le corps bousculé aléatoirement par les passants pressés tandis que mon esprit s'évade dans leur musique.

Leur musique pousse justement à la réflexion. Que ce soit par les notes qui nous évoquent des images du passé ou les textes détachés, de citadin désabusé, de grand enfant qui réalise qu'être adulte n'est pas tout ce qu'on lui a promis que ce serait. "I'm sorry I'm a bit down tonight, but all my friends have lost their mind, once more, I'm not happy here anymore" déclare t-il en ouverture de "26 is dancier than 4" qui ouvre la face de l'album qui leur est consacrée. Il étale ensuite ses conclusions sur sa vie sans s'en plaindre, avec un défaitisme touchant dans sa voix, "It's just the same as it was before, same faces and I hit the floor", proposant ensuite un échappatoire auquel il ne semble pas véritablement croire "and we danced to all the same songs, like back when we were young, so let's get out of here while we can". Divagations d'un alcool triste qui ne trouveront pas de suites. Bizarrement le titre de leur deuxième chanson "If I sit still maybe I'll get out of here" semble plus approprié à leur première, mais ils choisissent de l’utiliser pour illustrer une relation sentimentale avortée. Après toutes ses introspections le groupe s'externalise enfin en guise de cloture avec "It's not true Rufus, Don't listen to the hat" sur laquelle ils semblent pour la premières fois sortir de leurs pensées pour adresser directement une troisième personne "Have some faith, don't you know that this is not a race, and we are not contenders". Cette sortie du cocon s'accompagne de moments beaucoup plus rudes, dans lesquels les guitares s'alourdissent, comme pour les protéger lors de cette incursion finale dans le monde extérieur. "We can only be ignored" concluent-ils. Qu’ils se détrompent.

Une fois encore je ne peux que vous encourager à vous procurer légalemen t cet album, pour un maigre 7£, et ainsi soutenir un groupe et un label qui en valent vraiment la peine, pour qui chaque centime compte. Les quatre chansons de Cats and Cats and Cats sont de plus fort agréables aussi. En attendant la suite.

Site officiel - Big Scary Monsters - Myspace

This Town Needs Guns - 26 is dancier than 4

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SDOLE Live

2007-11-05T10:00:00.000+01:00

J'ai participé à un petit projet "Un concert - Trois chroniques" pour le blog de ToX. L'idée était d'obtenir trois points de vue différents sur le concert de Strange Death of Liberal England de ce samedi 3 novembre à la Rotonde du Botanique. Vous pouvez admirer le résultat en cliquant ici. Encore merci à ToX pour l'invitation.

et voici ce que j'en avais à dire...

Une entrée rapide et discrète sur la scène d’une rotonde à moitié remplie. Un membre du groupe agite un carton blanc arborant le nom du groupe en guise d’introduction, prenant à revers le public achevant sa commande au bar et l’ingénieur du son qui peine à retrouver la manette pour arrêter la musique. Une petite heure plus tard Strange Death of Liberal England quittera le champ de bataille à l’issue d’un concert blitzkrieg, comme ils sont arrivés, agitant simplement une pancarte « Dank U ». Entre les deux, pas une minute de répit. Le groupe enchaîne les titres de son premier album sans interruptions, quitte à prolonger un petit solo de guitare ou de batterie superflu pour laisser le temps aux autres membre du groupe de se réaccorder avant de se lancer dans le morceau suivant. Tel un bataillon de jeunes soldats guidés par la fougue et quelques grandes idées, doués mais bordéliques, attachants mais énervants, ils mènent leur assaut musical de Bruxelles comme ils l’entendent, quitte à déplaire.

Tandis que le claviériste se tient au garde à vous, Adam Woolway, chanteur et guitariste en chef, mène les hostilités avec sa voix faussée qui a le don de séduire ou de dresser les cheveux selon les moments. Malheureusement le réglage du son laisse un peu à désirer (fait rarissime dans cette salle) et ne lui rend pas justice. Le reste du groupe se plait à échanger d’instruments, rajoutant ainsi de la dynamique sans vraiment convaincre pour autant. Il n’y a par exemple pas de véritable batteur mais bien trois musiciens avec une formation en tambour. Aucunement dérangeant, cela renforce la martialité des rythmiques sur la plupart des morceaux mais ne leur fait pas honneur dans les envolées. Leurs compositions restent aussi solides que sur le disque. « A Day another Day », « An Old Fashioned War » et « Oh Solitude » sont livrées fidèlement. Parfois trop fidèlement. On aurait pu imaginer un prolongement de « An old Fashioned War» pour entraîner véritablement le public dans leur combat mais ils optent pour une fin abrupte. L’assaut final se fait sur « I saw Evil » où ils lâcheront enfin tout pour emmener leur chanson au niveau supérieur.

Un groupe prometteur donc, encore (très) jeune, mais qui possède énormément de qualités et qu’il faudra continuer à suivre. Reste à voir également combien de temps ils pourront conserver leur approche muette de l’interaction avec le public et si ils seront capables de trouver une autre solution sans pour autant sacrifier de la théâtralité qui fait leur charme.

Les années 90

2007-10-29T11:20:00.000+01:00

Une dizaine de jours sans billet alors que j'avais pris de bonnes résolutions (mentales). J'ai pourtant écouté plus de musique que jamais durant cette période. En vue d'une soirée dansante je me suis lancé dans un colossal travail d'archéologie musicale, à la recherche de pépites perdues des années 90s. Quel meilleur moyen en effet de mettre de l'ambiance dans une soirée que de jouer la carte de la nostalgie? Facile certes, mais tellement efficace. De toutes façons je ne suis jamais le dernier à céder à la facilité. Garant d'une certaine qualité d'écoute le jour, le soir venu je me fais putasse et troque volontier mon dernier 45 tours de Scout Niblett pour le nouveau Rihanna, mon intégrale d'Elliott smith pour le best-of de Justin Timberlake. Parce que les Vengaboys feront toujours plus bouger les foules non averties que iliketrains il faut savoir sélectionner avec soin la playlist de sa soirée, dont la musique n'est qu'un élément de succès parmi d'autres.

En vue de cette petite boom j'ai donc écumé les différentes plateformes de téléchargement plus ou moins licites et les tracklists des compilations vaseuses "vu à la télé" à la recherche de ces tubes, me concentrant donc sur les années 90s. Véritable torture auditive par moments, je suis arrivé à la conclusion qu'il existait trois catégories de succès populaires rétros: les titres qui ont fait un carton et restent encore aujourd'hui de véritables petites bombes (datées certes, mais pas ridées), les succès tellement mauvais qu'on peut les resortir aujourd'hui en rigolant, et le gros de la masse qui est condamné à disparaitre dans l'inconscient collectif, n'ayant marqué les gens ni dans un sens ni dans l'autre. Comme il serait dommage que je garde tout cela pour moi et mes convives, j'ai tout naturellement décidé de partager tout cela avec le monde entier. Voici donc mon top 5 des deux catégories les plus intéressantes:

Les winners: Top 5 des tubes des années 90 qui restent encore aujourd'hui de véritables bombes

Harvey Danger - Flagpole Sitta

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New Radicals - You get what you give

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Edwyn Collins - A Girl Like You

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White Town - Your Woman

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Mike & The Mechanics - Over My Shoulder

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Les losers : Top 5 des tubes des années 90 tellement mauvais qu'on les adore

The Outhere Brothers - Don't Stop (wiggle wiggle)

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Kim Kay - Lilali

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Ultimate Kaos - Casanova

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Babylon Zoo - Spaceman

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East 17 - Alright

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Dominique A

2007-10-18T15:49:00.000+02:00

J'écoute peu de "chanson française" ces derniers temps. Non pas que je n'aime pas, il fut un temps ou Noir Désir, Fersen, Miossec, Arno et autres Daniel Hélin rythmaient mes journées. Seulement voilà, Bertrand Cantat sort à peine de prison donc il faudra encore attendre avant un nouveau Noir Désir, Fersen se complait maintenant dans des chansons niaises sur son chien ("Zaza"), Miossec devenu sobre se contente de truffer ses textes de clichés et lieux communs ("la mélancolie"), je n'ai pas osé écouté le nouvel album d'Arno qui n'a jamais confirmé le regain de forme qu'était "Charles Ernest" et Daniel Hélin m'agace un peu. Ne nous épanchons pas non plus sur la "nouvelle chanson française" dont aucun représentant n'est parvenu à retenir mon attention depuis bien longtemps... et ce n'est pas les petits nouveaux comme Adrienne Pauly avec leur style "bad girl" bien calculé qui me feront replonger. Je suis pourtant persuadé que, comme dans tous les genres, il suffit de chercher un petit peu plus loin que ce que Michel Drucker et Pascal Nègre régurgitent aux français moyens en prime time pour trouver des merveilles. J'attends vos suggestions, je n'ai pas le courage de débroussailler tout seul.

Reste que dans ce brouillard de médiocrité, un homme continue à frayer son chemin, loin des projecteurs, loin de la hype parisienne, à coup d'albums oscillants entre le bon et le superbe et de prestations scéniques d'une intensité rarement égalée. Dominique A sort ces jours-ci son premier album live, "Nos forces motrices", enregistré au cours de quatre dates françaises de sa tournée pour l'"Horizon". Fort de 15 titres, cet album retrace toute la carrière de Dominique A, ne s'attardant sur aucune période en particulier, comme un bilan scénique de son œuvre. Des titres qui ne m'avaient pas convaincus sur l'Horizon comme "La Relève" figurent maintenant parmi les plus beaux morceaux de l'album. "Tout sera comme avant" et "Le Bowling" paraissent encore plus sombres et inquiétantes. Même les titres les plus anciens comme "Le courage des oiseaux" (15 ans déjà) n'ont pas pris une ride et sont livrés ici dans des versions électrisées et rythmées. On peut toujours déplorer l'absence de certaines grandes chansons de Dominique A de la sélection (pas de "Les hommes entre eux", "En Secret", "Comment certains vivent", je pourrais continuer longtemps) mais le choix des morceaux reste cohérent, équilibré, laissant la place aux textes les plus forts, aux ambiances lourdes. De même, ceux qui préfèrent les chansons plus légères de son répertoire ("Pendant que les enfants jouent", "Les éoliennes", "Twenty Two bar", "Dans un camion", etc.) resteront sur leur faim. Un deuxième CD plus enjoué, car il en est aussi capable, n'aurait pas été de refus pour pouvoir explorer toute la palette live de Mr A. Mais je pinaille.

En attendant le nouvel album de Daniel Darc...

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Dominique A - Tout sera comme avant (live)

Dominique A - Antonia (live)

Noir Désir

2007-10-16T18:13:00.000+02:00

Bertrand Cantat est libéré aujourd'hui. Bonne nouvelle. Il ne pourra pas publier de chansons faisant allusion au crime pour lequel il a été condamné. Deuxième bonne nouvelle. Je ne m'épancherai pas sur l'affaire, tout a déjà été dit. Reste que Noir Désir n'a toujours pas trouvé de successeur dans le paysage rock français.

En attendant la suite, un petit souvenir de Noir Désir, au sommet de leur art, en 2002 aux victoires de la musique (et le mp3 à emporter, pour ceux qui comme moi trouvent que cette version est de loin supérieure à l'originale).

MP3: Les Ecorchés - Live aux Victoire de la Musique 2002

Adam Gnade & Youthmovies

2007-10-10T14:57:00.000+02:00

Je sais que tout le monde n'en a que pour Radiohead aujourd'hui. Soit. Si vous voulez vous changer les idées...

Souvenez-vous de la première fois que vous avez écouté "Relationship of Command" de At The Drive-In. Si arrivé à la cinquième plage, "Invalid Litter Department", vous avez comme moi adoré les élucubrations de Cedric Bixler sur un discret fond électrique vous risquez d'adorer cette collaboration entre Adam Gnade et Youthmovies. Si vous adorez les morceaux parlés de Xiu Xiu comme "Support our Troops" vous risquez d'adorer aussi. Si vous avez toujours détesté At The Drive-In et Xiu Xiu vous allez probablement adorer parce que cet EP ne ressemble véritablement à aucun des deux.

Les cinq pistes de "Honey Slides" sont le fruit du travail d'une sorte de poète fou, Adam Gnade (qui a déjà sorti un album, quelques EPs et collaborations difficles à trouver), et d'un groupe, Youthmovies (anciennement Youthmovies Soundtrack Strategies avec deux albums à leur actif sous ce nom) zigzagant entre un rock dansant et rythmé et une électronique expérimentale. Tandis que l'un déclame ses textes, dans la droite lignée des écrivains beat comme Hubert Selby Jr ou Hunter S Thompson les autres bâtissent des voutes sonores empruntant des éléments tant chez !!! (voir la plage titre "Honey Slides") que chez Johnny Greenwood et sa célèbre "machine à faire des bruits bizarres qu'il actionne en branchant et débranchant des cables" (comme quoi même quand on veut échapper à Radiohead...). Le résultat de ces mélanges est pourtant extrêmement cohérent. Le groupe séduit immédiatement avec un premier titre accrocheur et semble ensuite prendre l'auditeur par la main pour le mener progressivement des ambiances familières aux territoires inconnus, défrichant petit à petit le passage devant lui, présentant les difficultés une à une pour qu'elle n'en soit finalement plus. Loin des agressions frontales que l'on retrouve chez Xiu Xiu Adam Gnade et Youthmovies aident l'auditeur à apprivoiser leur monde au fil des morceaux. Une belle réussite.

"Fill our dressing rooms with gin and red wine and we'll give you back songs, none of this lasts forever"

Youthmovies - Adam Gnade - Try Harder Records

Adam Gnade & Youthmovies - Honey Slides

Adam Gnade & Youthmovies - It's Five O'Clock In America

Vieux Amis (pt 2) : The Good Life

2007-10-03T13:01:00.000+02:00

Quelle est la probabilité qu'une école jésuite sévère d'Omaha dans le Nebraska couve simultanément ce qui deviendront deux des meilleurs artistes folk de leur génération? Quelle est la probabilité qu'ils soient en plus meilleurs amis? C'est pourtant ce qui est arrivé à Tim Kasher et Conor Oberst. Amis d'enfance, l'un a eu le succès que l'on connaît au sein de Bright Eyes tandis que l'autre en mériterait au moins autant avec The Good Life. Kasher sort aujourd'hui, "Help Wanted Nights", le quatrième album de ce groupe qui commença comme un simple projet solo, dans l'ombre de Cursive, et qui avec le temps est devenu une entité à part entière. Autant le dire tout de suite, ce "Help Wanted Nights" n'est pas son meilleur (voir "Album of the Year" sorti en 2005) mais c'est une des jolies surprises de cette rentrée.

Originalement conçu comme la bande son d'un scénario du même nom, "Help Wanted Nights" est devenu au fil de sa conception une collection de chansons librement inspirées des idées principales du film. Difficile en effet de trouver un fil conducteur ou de recomposer une histoire à l'écoute de cet album mais c'est voulu. Malgré son processus créatif différent les habitués de The Good Life se retrouveront en territoire connu. On y retrouve tous les ingrédients qui ont depuis toujours fait la magie de leurs albums, à commencer par l'écriture de Tim Kasher qui n'a pas son pareil pour écrire un texte sensible et déchirant à la fois sans jamais sombrer dans le cliché de l'amoureux éploré. L'amour et ses tourments sont pourtant au centre de chacune de ses chansons mais il parvient toujours à tourner ses propos joliment et simplement ("You're a fool for the wounded, I'm a man in need of bandages"), à jouer sur les mots et les sonorités ("You stopped stopping by to say hello, you started starting up every time I called") et à s'inventer des métaphores efficaces ("One man's bed is another man's resurrection"). Sa voix légèrement cassée, hésitant en permanence entre les graves et les aigus, parvient à trouver un équilibre entre ses textes et ses mélodies, échappant ainsi à la surcharge émotionnelle qui pourrait émaner d'histoires aussi introverties.

Ce quatrième album est une jolie réussite et convainc bien plus que le dernier Cursive ("Happy Hollow"), dans lequel le talent de Tim Kasher semble se diluer dans un océan de guitares électriques. Les instrumentations de ce disque sont au contraire toujours délicates, se faisant facilement oublier derrière leur meneur. Même si The Good Life est aujourd'hui un groupe à part entière on sent que tous les morceaux sont élaborés et dirigés à la guitare sèche sur laquelle viennent se greffer les autres musiciens. Et c'est comme cela que ses chansons fonctionnent le mieux... Il y a pourtant de fortes chances que ce soient ces allers-retours entre ses deux projets qui permettent à Kasher de livrer des albums aussi beaux et personnels que ceux de The Good Life.

The Good Life - Picket Fence

The Good Life - Playing Dumb

Site Officiel - Myspace

Et je ne résiste pas à vous proposer le très beaux duo entre Conor Oberst et Tim Kasher, "Drunk Kid Catholic", que l'on retrouve sur "Noise Floor", l'album de faces B et autres raretés que Bright Eyes a sorti à la fin de l'année passée.

Bright Eyes - Drunk Kid Catholic

Strange Death Of Liberal England

2007-09-28T11:30:00.000+02:00

Avant de continuer la série sur nos vieux amis j'aimerais revenir sur le premier album de Strange Death of Liberal England, "Forward March!", passé relativement inapperçu à sa sortie début juillet. J'ai moi-même déjà brièvement évoqué ce groupe de Portsmouth il y a quelques mois lors de la parution de leur premier 45 tours, l'impressionant "A Day, Another Day". Je les comparais à l'époque à un groupe imaginaire dans lequel les membres de Silver Mt Zion reprendraient du Arcade Fire. A l'écoute des huit titres qui composent ce court premier album je peux maintenant rafiner un peu cette description. Imaginez plutôt un Silver Mt Zion laissant toute sa prétention au vestiaire, se concentrant sur le principal, pour créer de vraies petites chansons pop où il n'y aurait pas de place pour les divagations erreintantes de leur leader. Rajoutez à cela l'enthousiasme et l'émotion véhiculés par cinq personnes chantant à l'unisson et vous obtiendrez des chansons concises et puissantes. L'ombre d'Arcade Fire planant lourdement sur la scène du rock indépendant depuis trois ans les assimilations vont pleuvoir mais ce serait injuste de les étiqueter comme imitateurs (même si il est difficile de ne pas penser à "Power Out" à l'écoute de "Oh Solitude"). Arcade Fire eux-mêmes n'ont fait que joliement remettre au gout du jour des recettes déjà testées et approuvées par Talking Heads dans les années 80 ou les Beach Boys avant eux.

"Modern Folk Song" ouvre l'album sur une guitare acoustique et électrique qui s'entremêlent délicatement, servant de fond mélodique aux harmonies d'Adam Woolway. Cette première minute trompeuse est immédiatement balayée par l'artillerie lourde du groupe, leur leader déclarant "Thanks but I'll go my own way" comme un pied de nez à l'aspect conventionnel de leur introduction. Les guitares électriques se font aériennes et la grosse caisse démarre pour rythmer leurs voix à l'unisson. "Oh Solitude", deuxième single du groupe, sonne l'urgence et l'enthousiasme rêveur d'une jeunesse armée de tambourins et de grandes idées ("I paint my dreams upon the wall!"). "A Day, Another Day" reste le single imparable découvert en mars dernier, comme une fanfare découvrant le post-rock. C'est pourtant "An Old Fashioned War" qui vole la vedette sur ce premier album. Le groupe semble y prendre la tête de l'armée fantoche du magicien d'Oz pour la mener au front sur une chanson s'accélérant à la manière d'une kalinka.

Sur "Mozart on 33" Strange Death of Liberal England parvient à éviter le sentiment de redite sur un titre plus faible grâce à l'introduction d'un banjo. Suivent deux titres formant une sorte de diptyque clair/obscur où les meilleurs sentiments du groupe sont contrebalancés sur une chanson où le ton et les instruments se font beaucoup plus agressifs et menaçants. L'album se clos finalement sur un morceau dispensable à la lumière de ce qui a précédé, où le groupe retrouve ses profondes influences et prouve au monde entier qu'ils ont très bien assimilé leur leçon de Mogwai.

Difficile de comprendre pourquoi un album de cette trempe reste aussi confidentiel. Un rapide coup d'oeil sur Hype Machine nous révèle que seuls deux blogs sur les milliers référencés ont évoqué le groupe depuis la sortie de leur album. Une injustice que j'espère contribuer à réparer à ma manière.

Strange Death of Liberal England - An Old Fashioned War

Vidéo de "Oh Solitude"

Site Officiel - MySpace

Vieux Amis (pt 1) : Stars & Okkervil River

2007-09-19T11:42:00.000+02:00

Après deux mois et demi d'errances je me retrouve à la tête d'une montagne de nouveaux albums à écouter et digérer. Avant de me lancer dans les découvertes je me réfugie dans le confort des territoires connus, les nouveaux albums de quelques vieilles connaissances. Impressions

Stars - In Our Bedroom After the War

Je n'ai jamais été très client des canadiens de Broken Social Scene. J'ai pourtant longtemps essayé. C'est finalement après un concert légèrement ennuyeux que j'ai capitulé, ce groupe ne me touche pas. Tout le contraire du projet parallèle de Torquil Cambpell et Amy Milan, Stars. "Set Yourself on Fire" fut un de mes disques de chevet en 2005 et leur concert à la rotonde du Botanique de Bruxelles reste un de mes plus beaux souvenirs de scène (et je ne pense pas trop m'avancer en disant que ce le fut également pour eux si on en croit un Torquil au bord des larmes répétant entre chaque morceau que c'est le plus bel endroit dans lequel ils aient jamais joué, leur meilleur concert). Que penser donc de ce nouvel album qui contient à la fois le meilleur et le pire de la carrière du groupe? Si l'on s'arme de son bouton skip, c'est une belle réussite, le digne successeur de "Set Yourself on Fire". Après une petite intro rythmée par un battement de coeur "The night starts here" ouvre le bal de manière ambiguë. Opposition entre des nappes de synthétiseur et de basse saturées de feedback et les voix de Milan et Campbell qui se répondent. Passé la première surprise il faut reconnaître que cela fonctionne plutôt bien. "Take me to the Riot", premier single annoncé, est calibré FM. Leurs deux voix à l'unisson dans les couplets et un refrain accrocheur, rapide, où Campbell peut se se lâcher. Jamais conventionnel pour autant.

L'album coule ensuite (très) joliment jusqu'à "Ghost of Genova Heights" où Campbell déchaîne son funk intérieur. L'effort est louable mais n'est pas Prince qui veut. Skip. Comme sur tous les albums de Stars à ce jour (c'est leur quatrième), la deuxième partie (Face B?) est sensiblement plus faible que la première mais reste de bonne facture si on oublie "Barricade" qui semble tout droit sorti d'une comédie musicale américaine sur la révolution française. L'album se termine par contre sur un titre monumental, peut-être mon préféré de Stars à ce jour, où Campbell y réussit tout ce qu'il a raté sur "Barricade". Bien sûr il faut ranger sa carapace au placard. De toutes façon Stars n'a jamais été un groupe pour machos. Je ne peux m'empêcher de penser au "I Fought in a War" de Belle And Sebastian en l'écoutant. C'est une overdose de sucre (Campbell n'a jamais aussi bien crooné), truffé de bons sentiments ("Listen the birds sing! Listen the bells ring! The War is over!"), pompeux à souhait (merci les violons et l'envolée). Ca pourrait très bien être le bouquet final de leur comédie musicale. Pourtant c'est parfait.

Stars - In Our Bedroom After the War

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Okkervil River - The Stage Names

J'ai déjà longuement évoqué "Black Sheep Boy" dans ces pages virtuelles. Tout comme Stars, le précédent album d'Okkervil River a longuement usé mon lecteur. Will Sheff et sa bande nous reviennent deux ans plus tard et une chose est sûre, ils veulent réclamer leur dû. "Black Sheep Boy" a rencontré un beau succès d'estime mais ne les a pas (et c'est injuste), révélés à un plus large public. Ils l'ont mauvaise. Will a sorti sa guitare éléctrique et la grosse caisse est dépoussiérée. Le ton est donné immédiatement sur "Our Life is not a Movie or Maybe". Ce disque sera résolument rock, le son plus gros. Fini de se lamenter avec une guitare acoustique dans des jardins fleuris (cfr concerts à emporter). Les rythmes s'accélèrent, les pianos se saccadent et un solo de guitare électrique couillu fait même son apparition. La voix de Sheff douce et grave dans les moments plus calme vire à l'aigu quand il s'excite et il dévoile une agressivité qu'on ne faisait que lui soupçonner jusqu'à maintenant. Sur "A Hand to Take Hold of the Scene", le troisième morceau de l'album, le groupe surpris par tant de hargne semble tenter d'adoucir le propos de son chanteur en lui joignant quelques coeurs féminins et une section cuivre.

Comme s'il avait compris le message, Sheff fait un virage à 180°. "Savanah Smiles", une berceuse rythmée par une horloge et menée au xylophone. Tant pis pour ceux qui avaient succombé à ce côté plus sombre, la suite de l'album sera résolument plus calme. "Plus Ones" aurait pu figurer sur "Black Sheep Boy", c'est de l'Okkervil River pur jus. Simple et beau. Quelque part à la croisée des chemins de l'americana et du folk. Will Sheff y console une amie comme seul un homme qui a également beaucoup souffert peut le faire, "No one wants to hear about your 97th tear...". Par le passé il aurait peut-être interprété cette chanson seul à la guitare mais aujourd'hui il s'adjoint d'un piano et de cuivres. C'est là la principale faiblesse de l'album. Tous les instruments qui entourent Sheff durant les moments plus calmes ne parviennent pas véritablement à convaincre. Un sentiment que l'on retrouve malheureusement trop souvent sur des chansons en demi-teinte. Okkervil River fonctionne le mieux en mode rock sans complexe ou complètement dépouillé mais peine à trouver un juste milieu. Les titres plus calmes teintés d'americana à coup de pedal steel et de piano semblent trop chargés et on se surprend à n'apprécier véritablement que les passages où Will Sheff se retrouve seul. Ce juste milieu ils en sont pourtant capables, la preuve avec le superbe "Title Track" où la voix et les instruments parviennent à se compléter sans jamais se mélanger.

« Black Sheep Boy », s’ouvrait sur la reprise de la chanson de Tim Hardin du même nom. Cette fois-ci les Okkervil River décident de rendre hommage à un de leurs aînés en clôture d’ album. « John Allyn Smith Sails » se transforme petit à petit en « Sloop John B » de Brian Wilson. « I feel so broke up, I want to go home ». Bien malin celui qui décèlera un thème récurrent…

Okkervil River - Our Life is not a Movie or maybe

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Benjy Ferree

2007-08-09T12:33:00.000+02:00

J’interromps le calme relatif de ces mois d'été pour vous entretenir de Benjy Ferree dont le premier album "Leaving the Nest" est passé relativement inaperçu en ce début d'année malgré une sortie sur Domino. Découvert aux hasards de mes pérégrinations sur Internet, ses chansons m'avaient séduites mais je ne m'y étais pas attardé étant donné l'avalanche de nouveautés à cette période. Depuis quelques semaines j'y suis pourtant revenu et c'est en passe de devenir un de mes albums de l'été.

Ces dix chansons sont un petit condensé d'histoire de la musique contemporaine américaine. Le voyage commence quelque part en Louisiane avec"In the country side", un habile mélange entre un rythme cinq temps qui n'aurait pas déplu aux pionniers du Jazz et une guitare tantôt acoustique, tantôt électrique saturée. Le tout est assemblé en une chanson pop digne des Kinks. Changement de ton radical sur "Dogkillers" qui nous ramène vers les mégapoles sales et embrumées du Nord, influences Stooges et garage rock prennent le dessus. Benjy Ferree nous rapatrie ensuite dans le Bayou, il a enfilé son costume de Charles Ingals, a posé le pied sur le tabouret et nous offre une petite berceuse mélancolique au violon pendant que Caroline sifflote et gratte sa planche à laver avec ses doigts chapeautés de dés à coudre. Il reprend ensuite sa carriole, le brin de paille aux lèvres, et se dirige vers la Californie en entonnant avec une voix éreintée par les folies de la veille "The Desert", une balade ensoleillée de banjo et de maracas, . En chemin il se souvient de son enfance et d'un amour passé qu'il nous conte dans une sorte de gospel nostalgique sur "Private Honeymoon".

Benjy Ferree semble sortir du même moule qu'un Jack White, avec des influences très diverses parfaitement assimilées et assumées. Son chant ressemble par moments fortement à celui du leader des White Stripes, particulièrement sur des titres tendus comme "Leaving the Nest". Passé "Hollywood Sign" la qualité pique malheureusement du nez. Cela reste très agréable mais ne retient plus vraiment l'attention. Il réutilise des recettes qui fonctionnaient bien sur les sept premiers titres de l'album mais ici ça ne parvient plus vraiment à décoller. "In the Woods" par exemple démarre très joliment avec un texte enfantin rappelant les plus beaux moments de Daniel Johnston puis s'enlise dans un refrain de "Sleeeeeeeep" tiré en longueur qui laisse un goût d'inachevé. Benjy Ferree est une sorte d'épicier qui mets à l'avant de son étalage ses plus beaux fruits et légumes, très variés et alléchants et range un peu plus en retrait ceux qui ont quelques coups et taches mais qui restent tout à fait mangeables. Le tout nous donne donc un premier album très réussi dans lequel il nous présente toute sa palette de talent à ce jour mais qui manque parfois d'un petit peu de cohésion. Peu importe pour l'instant, je sens que cet homme ne fait que commencer...

Benjy Ferree - In The Countryside

Benjy Ferree - The Desert

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Beirut - Live à Berlin 05/07/2007

2007-07-15T13:54:00.000+02:00

Me voilà rentré d'un road trip d'un peu moins de dix jours en Allemagne dont les points musicaux culminants furent le concert de Beirut à Berlin et un concert secret de Justice au 4e étage d'un bunker à Hambourg. Repartant demain pour quinze jours je ne dispose pas d'énormément de temps. Voici donc juste quelques photos de Beirut... J'ai redimensionné les photos pour pouvoir en mettre plusieurs, des versions haute qualité sont disponibles sur demande.

Beirut - Live Glastonbury 2007

2007-06-25T12:15:00.000+02:00

Difficile de ne pas avoir entendu parler de Beirut. Dans deux semaines je pars le voir spécialement à Berlin. En avant première pour tous ceux qui vont le voir sur cette tournée, en souvenir pour tous ceux qui l'ont déjà vu, afin de compenser un peu pour ceux qui ne le verront pas, la BBC a mis en ligne un enregistrement d'une partie de son concert à Glastonburry ce week-end. Il y joue consécutivement Prenzlauerberg (un quartier de Berlin fort sympathique de surcroit), Postcard from Italy, une nouvelle chanson, Elephant Gun, The Canals of our City et une deuxième nouvelle chanson . Je suis toujours sidéré qu'il n'ait que 21 ans...

Son prochain album sortira en octobre, fortement inspiré par la chanson française et Jacques Brel en particulier apparament. Il reprend d'ailleur "le moribond" en face B de son nouveau single Elephant Gun, chanson déjà disponible depuis longtemps sur le Lon Gisland EP que la plupart d'entre nous ont obtenu en bonus en achetant Gulag Orkestar. Cet album sera donc sensiblement différent de son premier, c'est certain. Quelque chose me dit qu'on assiste à l'éclosion d'un grand artiste. Confirmation en octobre.

Je ne peux pas implémenter la vidéo de la BBC sur ce blog, rendez vous donc ICI.

Par contre, je peux mettre quelques photos

et une petite chanson inédite...
Beirut - Beluga (demo)

Brian Wilson - Bruxelles 20/06/2007

2007-06-21T15:13:00.000+02:00

Avant toute chose, j'ai réalisé qu'il y avait une option dans Blogger pour permettre à n'importe qui de mettre des commentaires sans devoir être enregistré pour autant. Cela ne m'aura pris que cinq mois pour la trouver. Enfin, c'est fait, à vos commentaires donc!

Lou Reed a eu 65 ans le 2 mars, Brian Wilson a fêté son 65e anniversaire hier à l'Ancienne Belgique. Je passe des mois sans voir un seul musicien de plus de 30 ans et puis en trois jours je vais assister à deux concerts de sexagénères. J'imagine qu'on les sort pour l'été.

Difficile donc de ne pas comparer. Les deux hommes ont beau avoir le même age ils n'abordent pas pour autant leur tournée de la même manière. D'un côté nous avons Lou Reed qui, dans sa grande bonté, gratifie son public d'une prestation live d'un de ses albums phare. Ses motivations ne sont pas très claires, ça ne lui ressemble pas. Ce qu'on sait c'est qu'au fur et à mesure de ses albums son public a fondu... puis en reprenant Berlin, il rempli à nouveau des grandes sales. Et malgré tout son dédain, il a l'air d'y prendre beaucoup de plaisir. De l'autre côté nous avons Brian Wilson qui, plus ou moins absent depuis trente ans, renoue avec son public et enchaine ses plus grands succès avec un plaisir apparent. Lequel de ces deux mastodontes remporte le round? Nous ne sommes pas dans un tabloïd anglais, il n'y a pas de gagnant. Les deux concerts étaient nostalgiques et professionnels.

Ce concert de Brian Wilson fut une expéricence totalement anachronique. Toutes les chansons jouées ont connu leur heure de gloire dans les années 60, même si ce n'est pas tout à fait le cas du public, mélange intergénérationnel, preuve supplémentaire de l'intemporalité des grands succès des Beach Boys. Sur scène, Brian Wilson est le pivot central d'un show à l'ancienne. Tout y est réglé comme du papier à musique (j'imagine que la setlist est la même chaque soir). Les tubes s'enchainent les uns après les autres, souvent introduits par des petites phrases ou dialogues bien répétés entre Brian et les musiciens. "- I wanna go on a holiday! - Where do you want to go Brian ? - I want to go to ... Hawaii!" et c'est parti pour "In blue Hawaii". Cela ne sonne pourtant pas faux, c'est simplement surjoué, théatral. On est loin de l'artiste qui fait la même blague tous les soirs en feignant le naturel. Même lorsque l'un des musiciens arrête Brian Wilson au début d'une chanson pour faire chanter un "Happy Birthday Brian" à la foule cela parait complètement orchestré. Aucun groupe contemporain ne parviendrait à s'en tirer avec des coups pareils de manière aussi attachante. L'âge et le baggage de Brian Wilson lui confèrent un certain panache, et on lui pardonne beaucoup.

La musique, tout le monde la connait, il n'y a pas de surprises. La majorité de son set est consacrée aux grands classiques issus des albums Pet Sounds et Smile. Wouldn't It Be Nice et Good Vibrations déclenchent évidemment des tonnerres d'applaudissements mais il n'oublie pas non plus de glisser des petites perles comme God Only Knows et Sloop John B. Ils pourraient jouer des heures sans qu'un seul morceau nous soit inconnu. L'orchestre de dix musiciens derrière Brian Wilson assure le spectacle sans une fausse note, sans une extravagance non plus. L'ex-Beach Boys reste lui assis, au centre de la scène, derrière son clavier, dernier rempart entre lui et le public. Sur la plupart des morceaux il se contente d'assurer le chant, de fort belle manière d'ailleurs. Hormis quelques couacs par ci par là sa voix n'a pas changé, fidèle aux versions que nous avons tous appris à connaitre. De temps à autres ses mains effleurent les touches de son clavier mais il ne dupe pas grand monde. On voit très bien les deux autres musiciens s'excitant sur leurs synthétiseurs juste derrière lui. Tous les classiques y passent mais il garde le meilleur pour la fin. Un rappel, enchainant sans interruption, Johnny B Good, Help Me Rhonda, Barbara Ann, Surfin' USA et Fun Fun Fun. Difficile de sortir de la sale sans sourire.

Alors, pour ou contre ce style de concerts revivaliste? Personellement, j'ai du mal à camoufler un sourire cynique lorsque qu'on me tend un flyer les annonçant. Brian Wilson et Lou Reed sont pourtant la preuve que cela peut être bien fait.

The Beach Boys - God Only Knows

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Lou Reed - Berlin - Bruxelles 18/06/2007

2007-06-18T23:03:00.000+02:00

Je ne comptais pas y aller. Ca ne pouvait pas être bien. Une chorale d'enfants était annoncée. Rien que d'imaginer un choeur accompagner Caroline Says de petit "doo doo" et autres "hou hou" devrait être assez pour décourager le fan le plus avide. “I only do this every thirty years. One time, one time only. You can tell your kids you saw Lou Reed’s Berlin.” écrivait-il avec son arrogance si charactéristique dans le communiqué de presse annonçant la tournée européenne. Cette déclaration aurait du me convaincre une fois pour toute de ne pas y aller. En plus, ce capitaliste a fixé le prix des places entre 40€ et 80€. C'est sûr je n'y vais pas! Puis, hier en repensant à ce concert j'ai réalisé que Lou avait raison. Le con. Il allait jouer Berlin dans son intégralité à 15 minutes de chez moi et il fallait que j'y sois, ne fut-ce que pour pouvoir le dire à mes enfants. On tente alors de se trouver des excuses, Julian Schnabel a fait la mise en scène, sa fille a fait des projections incroyables, si ça se trouve le bus de la chorale aura crevé un pneu... Et puis merde. J'y vais.

Je décide de donner au destin une dernière chance de m'empêcher d'y aller en me rendant à Forest National armé d'un seul billet de 20€. Après 15 minutes d'attente des fans désespérés me revendent à contre-coeur une place à 80€, dans le parterre, pour ce seul billet bleu. Je ne peux plus faire demi-tour. J'entre dans la salle qui pue déjà le hamburger, passe à côté du stand de T-Shirt à 30€, évite l'ouvreuse et trouve ma place. Ambiance parfaite pour un Rock 'N Roll Animal. Les sièges étant numérotés le couple à qui j'ai acheté la place ne tarde pas à me rejoindre. Sourires gênés. La salle est bien remplie sans toutefois afficher complet et des images d'un ruisseau sont projetées sur un grand drap blanc derrière tous les instruments. Ca a l'air plus sobre que prévu finalement. Lou Reed n'est peut-être pas encore complètement mégalo. Les lumières s'éteignent et le drap blanc se retire pour laisser place à un décor composé de draperies bourgeoises du 18e siècle avec devant-elles ce qui semble être un canapé pendu verticalement. La chorale de 15 jeunes filles est bel et bien là, en tenue de paroisse, accompagnées d'un petit orchestre de huit cordes et cuivres en smoking turquoise. Tout en subtilité ce Lou.

L'introduction de Berlin ("Ein Prosit, Ein Prosit" suivit du "Joyeux Anniversaire") retentit pendant que les musiciens trouvent leurs marques. La chorale entre en action et là surprise, elle n'est pas trop envahissante. Elle accompagne subtilement les morceaux. Berlin, Lady Day et Men of Good Fortune passent en un éclair mélodique. Arrive Caroline Says, la chorale se rassied, on ne les entendra plus jusqu'à The Bed, et Lou entre véritablement dans son concert. La suite est magnifique. On connait tous les morceaux et ces réditions live n'ont pas à pâlir devant les enregistrements. Mon voisin n'est visiblement pas du même avis puisqu'il choisit ce moment pour quitter définitivement le concert. Un amateur de Lo-Fi sûrement. Le quatuor final de Berlin, Caroline Says II, the Kids, The Bed et Sad Song cloturent ce moment en beauté. Lou avait une nouvelle fois raison, la chorale a tout à fait sa place dans ce spectacle. Pour la mise en scène de Julian Schnabel il faudra repasser par contre. A part choisir l'emplacement des musiciens, le décor et la couleur du T-Shirt de Lou peut-être on ne peut pas dire qu'il se soit foulé. Le concert est on ne peut plus statique. Les projections de Schnabel Jr sont également vite reléguées aux oubliettes. On préfère faire fit de tous les artifices qui ont en partie servi de prétexte à notre venue pour se concentrer sur la musique. Ces 50 minutes avaient tout pour déplaire. Cher, pompeux, intéressé, opportuniste, etc. Je crois que beaucoup auraient aimé pouvoir dire qu'ils n'ont pas aimé. Seulement voilà, Lou Reed s'en sort très bien.

Berlin se termine, le groupe quitte la scène pour revenir quelques minutes plus tard avec une trilogie de "crowd pleasers". Lou Reed colle à son concept, on l'aurait mal vu resortir une obscurité tirée de The Raven à ce moment-ci. Il lâche Sweet Jane, Satellite of Love et Walk on the Wild Side. Le public exulte mais c'est un peu moins réussi que la première partie. Lou se contente de chanter les mots "Sweet Jane..." et laisse sa choriste faire le reste. Satellite of Love accompagnée d'une chorale atteint comme vous pouvez l'imaginer les sommets du kitch. Lou sourit tout au long de la chanson et se plait à jouer au chef d'orchestre devant ses quinze jeunes filles. Walk on the Wild Side cloture le concert de manière très convenue mais pour rien au monde on ne serait reparti sans... Je pensais qu'il allait revenir faire Perfect Day tant qu'on y était mais c'en était visiblement trop.

And all the girls said : dou, dou dou...

On les connait tous mais ça ne fait jamais de tort...

Lou Reed - Caroline Says II

Lou Reed - The Kids

Site Officiel - Acheter "Berlin"

François Virot

2007-06-17T16:49:00.001+02:00

Il y a deux semaines de cela je me rendais à une ancienne chappelle bruxelloise reconvertie en salle de spectacles pour assister au concert de Scout Niblett (dont je vous ai parlé la semaine passée). Avant la superbe prestation de Mme Niblett, deux autres groupes étaient chargés de chauffer la salle. Tous les deux français et inconnus à mon bataillon, Lapin Machin et François Virot. Autant dire qu'en voyant la mention "(FR)" à côté de leur nom sur le flyer de l'évènement je me suis inquiété. Qu'allait-on m'infliger comme supplice made in France avant de mériter la vedette de la soirée? De la nouvelle chanson Française ou bien un nouveau pastiche de pop/rock londonienne avec un accent ridicule (je ne vise personne) ? Faut dire j'ai mes raisons d'avoir peur, peu de groupes Français sont parvenus à ne fut-ce que m'intéresser ces derniers temps... et beaucoup m'ont fait pitié. Et pourtant, si Lapin Machin sont très loin de m'avoir laissé un souvenir impérissable (vaguement attachants, vaguement mauvais), François Virot m'a lui fortement impressioné.

Seul en scène avec sa guitare, assis sur une chaise, à défaut de plaire il parvient au moins à intéresser tout le monde. Capter l'attention d'une centaine d'inconnus, venus pour la plupart voir un autre concert, en restant simplement assis sur une chaise à jouer des chansons de son cru, sans jamais glisser un mot relève de la prouesse. Je pense pourtant que peu de gens ont profité de son concert pour aller se fumer une clope dehors (même si je n'étais pas là pour vérifier). Seulement moi, il a fait bien plus que m'intéresser. Décrire sa musique n'est pas une chose évidente. Si des journalistes paresseux devaient lui coller une grosse etiquette sur le front, je pense qu'ils en feraient le cousin bleu blanc rouge du mouvement Freak-folk dont Denvendra Banhart et Cocorosie sont les têtes de proues. Je redoute déjà de voir son album sortir avec un gros autocollant "Le Devendra Banhart Français ! -Télérama" sur la pochette. Cette catégorisation serait vraiment à côté de la plaque.

Ses chansons déstructurées mais mélodiques, portées par une voix nasillarde rarement "juste" en repousseront plus d'un. Cela fonctionne pourtant extrêmement bien. Un titre comme "My Head is Blank" aurait très bien pu figurer sur le Sung Tongs d'Animal Collective. Comme eux il parvient à mêler les principaux ingrédients et la structure d'une chanson pop avec une bonne dose d'excentricité. La comparaison s'arrête là, car en l'écoutant et en le voyant surtout, il transmet une émotion que je ne retrouve pas chez Animal Collective : la douleur. L'accouchement de ses chansons et leur régurgitation publique ont l'air d'être des processus extrêmement douloureux. Son visage se tord dans tous les sens, ses yeux se ferment, sa voix tremblotte. Cela peut même mettre mal à l'aise. On se sent comme des tortionnaires à forcer ce garçon à chanter pour nous alors que ça lui fait visiblement mal. Puis, entre les chansons, des petits sourires en coin et des regards furtifs vers le public. Nous voilà rassurés.

Il sortira son premier album à l'automne sur le label clapping music si tout va bien. Entre temps plusieurs chansons sont comme d'habitude en écoute et même téléchargeables pour une fois sur son myspace et pour 5€ on peut commander un CD-R maison (j'attends le mien avec impatience!). François Virot s'est également créé un deuxième compte myspace sur lequel il mets uniquement des reprises allant de Elliott Smith à Jay-Z. Le pire c'est que c'est réussi.

François Virot - My Head is Blank

François Virot - Say Fiesta

François Virot - Between the Bars (Elliott Smith Cover)

Myspace Normal - Myspace spécial reprises

Scout Niblett

2007-06-10T19:27:00.000+02:00

Afin de nous faire patienter avant la sortie de son quatrième album prévu en aout, Mlle Scout Niblett a sorti il y a deux semaines un petit 45 tours. Si ces trois titres sont un avant goût de ce qui nous attend, il y a fort à parier que cet album sera enfin celui de sa consécration. Scout Niblett demeure en effet relativement méconnue là où d'autres artistes féminines solo, Cat Power en tête, ont obtenu un succès populaire considérable (surtout depuis ses deux derniers albums un rien "lissés"). Son folk électrique n'est pas si éloigné de ce que faisait Chan Marshall ou encore PJ Harvey à leurs débuts. La comparaison est inévitable mais Scout Niblett n'a pas à palir devant ses illustres collègues, bien au contraire. Armée de ses chansons dépouillées, juste une voix superbe et quelques notes de guitare électrique pour la plupart, et un son rendu rugueux par ses cris et distorsions soudaines, Scout Niblett parvient à faire passer l'émotion comme personne. Tantôt fragile, tantôt hargneuse, tantôt enfantine mais toujours sombre, la sincérité avec laquelle elle chante ne peut laisser indifférent ceux qui parviennent à s'oublier dans sa musique.

"Dinosaur Egg", le titre phare de ce nouveau single est une petite comptine basée sur un texte de David Shrigley, écrit pour un comics américain. Ce texte innocent, dans lequel le personnage demande à son oeuf de dinosaure d'éclore afin de pouvoir le montrer à ses amis, prend entre les mains de Scout Niblett une conotation très noire. En l'écoutant on ne sait pas si le personnage qu'elle incarne est tout simplement fou ou bien s'il possède vraiment un oeuf de dinosaure. Elle demande d'ailleurs à l'esprit qu'elle invoque un peu plus tard dans la chanson de "scare the shit out of you...". En phase avec le texte, la chanson est d'une simplicité enfantine, tout est dans la voix, et cela fonctionne à merveille.

Malgré toutes les qualités de ce "Dinosaur Egg", c'est la deuxième plage de la face A, "Just what I needed" qui me touche le plus. Il s'agit d'une reprise des Cars, métamorphosée pour l'occasion. De la pop/rock de Ric Ocasek & co, un rien insipide à mon gout, elle fait une chanson déchirante. Le texte ne brille pas par son originalité mais chanté comme elle le fait cela prend une autre dimension. Cette petite dame serait capable de nous faire pleurer avec une interprétation de "Il était un petit navire" si elle le voulait...

Je vous propose d'écouter ces deux chansons ainsi que la version originale de "Just What I needed" des Cars (à titre d'information). Je ne résiste pas non plus à glisser "Wolfie", tiré de son album de 2005 "Kidnapped by Neptune" qui reste pour moi son chef d'oeuvre. Pour la route, une vidéo de Mme Niblett interprétant son "Dinosaur Egg" il y a quelques semaines à Londres. La vidéo est de qualité mais ne rend pourtant pas complètement justice à cette immense artiste live.

Scout Niblett - Dinosaur Egg

Scout Niblett - Just What I needed (The Cars cover)

The Cars - Just What I Needed

Scout Niblett - Wolfie

Myspace - Site Officiel - Amazon

Hearts of Black Science

2007-06-05T12:52:00.000+02:00

Démarrons par une petite histoire. Amis d'enfance, Tomas Almgren et Daniel Anghede ont été séparés par les aléas de la vie, l'un partant pour Londres et Berlin afin de poursuivre une carrière en tant que réalisateur de films d'horeurs, l'autre tentant sa chance dans un groupe. En décembre 2005 les deux hommes se retrouvent et décident de se lancer dans la musique à deux. Tomas se chargera de tout ce qui est guitare, basse et chant tandis que Daniel s'épuisera aux synthétiseurs, boites à rythmes et effets en tout genre. Le résultat de cette collaboration c'est Hearts of Black Science, qui viennent de sortir leur premier album "The Ghost you left Behind" début avril sur le label Club AC30 également responsable de Amusement Parks on Fire.

Rarement un titre d'album ne colla autant à la musique. Ce "Ghost you Left Behind" est, sans vouloir tomber dans du jargon journalistique stéréotypé, véritablement hanté. Comme un enfant abandonné, resurgissant après des années pour partager sa mélancolie. Le groupe à un penchant certain pour les longues complaintes, le chant étiré, capable d'arracher des larmes à ceux qui se perdront dans leur musique. L'instrumentation électronique participe fortement à l'ambiance sombre du disque mais est rarement envahissante, la voix aigue de Tomas Almgren reste toujours en avant.

Ces Hearts of Black Science sont pourtant loins de se lamenter sur leur sort en permanance. Des titres comme "Miles" ou bien "Walking With the Sun"(que je vous propose d'écouter ci-dessous) sont résolument plus enjoués, voir un brin dansants pour "Miles". Ces deux hommes semblent en fait être parvenus à faire un album possédant la carrure et suffisament d'idées neuves que pour prendre le relais des grands albums de Bowie prériode Berlinoise, New Order, Jesus & Mary Chain ou The Cure dans les années 80. L'utilisation qu'ils font du synthétiseur évoque immanquablement leurs illustres aïeux mais ils ne tombent jamais pour autant dans le simple "hommage", "The Ghost You Left Behind" est un album moderne. Ces deux suédois semblent enfin réussir dans un genre où de nombreux autres groupes se sont cassés les dents, I Love You But I've Chosen Darkness par exemple. Ils parviennent à s'élever de leurs influences pour faire un disque plus gratifiant qu'un pastiche savamment orchestré.

En guise de cloture, je vous propose d'écouter "Serene", mon titre préféré de l'album s'il fallait en choisir un avec un pistolet sur la tempe et un candidat sérieux au titre de ma chanson de l'année.

Site Officiel- Myspace - Norman Records

Hearts of Black Science - Walking with the sun

Hearts of Black Science - Serene

Pagan Wanderer Lu

2007-05-28T14:47:00.000+02:00

Sous le pseudonyme Pagan Wanderer Lu, Andy Regan nous concocte depuis bientôt sept ans des petites chansons, à la croisée des chemins de la pop, de l'électronique et du folk. Bidouilleur hors pair et homme orchestre prolifique, il a sorti fin de l'année passée son 10ème EP "The Independant Scrutineer" sur le petit label londonien Brainlove Records. Cette collection de six chansons mérite amplement qu'une oreille attentive s'y attarde tant il y fond habilement des textes entre la rêverie et le désabus sur des mélodies pop extrêmement accrocheuses. Il compose typiquement des chansons à tiroirs, charmant l'auditeur attiré par son petit monde sucré avant de lui révéler toute la portée de son propos au détour d'un vers teinté d'humour.

Le premier titre de l'EP, "The Memorial Hall" en est l'exemple parfait. Après une introduction dépouillée, évoquant les guerres menées à l'étranger par son pays, le tout sur des sonorités graves, il lâche une ligne électronique dansante au possible soulignant la légèreté dans laquelle les gens continuent à vivre au pays. "Now we remember the Disco they're holding tonight at the memorial hall!" s'exclame-t-il subitement, lorsqu'au milieu de son laïus sur la guerre il se rappelle qu'il y a une fête le soir même au "Memorial hall". La guerre est remplacée dans son esprit par des rêveries de filles qui seront présentes ou pas le soir même. Le cas de conscience revient ensuite au galop lorsqu'il réalise que c'est peut-être indécent d'enflammer la piste de danse entouré de noms de vétérans gravés sur les mûrs... et puis non: "If there's a point to the fighting, any point at all, it's so we can dance in the memorial hall!".

Malgré des textes touchant à des sujets sensibles il serait injuste de classer Pagan Wanderer Lu comme un artiste politique, ou pire encore, "engagé". Les points de vue qu'il adopte sont ceux de tout-un chacun, il n'y a pas de condamnation du pouvoir ou de grands discours prêchi-prêcha. C'est simplement Mr Toutlemonde qui réalise que le nouvel hôpital qu'ils ont construit près de chez lui est complètement nul ("And you can paint a funny mural on the children’s ward but there’s not as many beds as there were before"), qui s'interroge sur son quotidien, etc. Peu d'artistes parviennent à mêler aussi habilement une musique naïve et un texte profond.

Pour terminer cette chronique, nous nous devons de mentionner le doublé "Repetition 1" et "Repetition 2", qui aborde joliment les questions que nous nous posons tous en voyant que certaines personnes préfèrent se faire exploser au milieu d'une foule plutôt que de vivre leur vie. Véritables pierres angulaires de cet EP, ces deux titres commençant par la même phrase "There's a brand new dance and It's easy to do" nous exposent deux facettes de leur créateur. "Repetition 2", que je vous propose d'écouter ici-bas, est issue du même moule que "Memorial Hall". Un titre pop, rêveur et ensoleillé, qui dans un monde parfait deviendrait une sorte de tube de l'été. Capable de faire danser et réfléchir à la fois, c'est PWL au sommet de son art. "Repetition 1" est une affaire plus intimiste, dénonçant les dérives de la routine d'un point de vue plus personnel, torturé.

Vous l'aurez compris, si vous êtes à la recherche d'une pop anglaise dansante et intelligente, foncez sur Pagan Wanderer Lu. Ses EP ne sont pas faciles à trouver sur un support physique en dehors d'Angleterre (bien que vous puissiez les commander facilement par Brainlove Records ou par un disquaire indépendant de qualité tel Norman Records). Pour palier à cela, son site personnel vous propose un album en téléchargement gratuit, son myspace offre bien sûr quelques titres en streaming et son dernier EP est disponible sur E-Music. Autant de moyens légaux pour soutenir un artiste qui le mérite, et qui lui permettront peut-être un jour de ne plus jamais s'entendre dire "I'm sorry Mr Regan but your card has been declined"...

Pagan Wanderer Lu - Repetition 2

(En accord avec Mr PWL, la chanson a été retirée après deux semaines.)

Site Officiel - MySpace - Brainlove Records - E-Music

SEX-O-RAMA

2007-05-25T13:52:00.000+02:00

Un billet assez court aujourd'hui en hommage à un art souvent méprisé, qui mériterait pourtant bien sa place au soleil: la bande originale de film érotique. Guitares wah-wah à tout va, petits rythmes suggestifs, montées en puissances et explosions... Quand on y réfléchit, la bande originale du film érotique des années 70 n'est en fait qu'une version un rien plus kitch du post rock popularisé par Mogwai et autres Explosions in the Sky. Enfin, quoique...

Les compiles Sex-o-rama ont réuni en deux volumes les plus grands hymnes de ce genre si particulier. Je pense que cela se passe de commentaires. Je vous joins juste le tracklisting des deux compiles et mes trois morceaux préférés parmi ceux-ci. Parvenir à garder son sérieux avec ces chansons en bande son de vos ébats, ça c'est une prouesse...

Sex-O-Rama : Music from Classic Adult Films - Volume 1

1. Debbie Does Dallas: The Shower Scene
2. I Like to Watch: It's Your Day
3. Taboo: Hello Mother
4. Behind the Green Door: Ravishing Marilyn
5. Sex World: Green Door Fantasy
6. Jade Pussycat: Introducing Johnny Wadd
7. Legend of Lady Blue: The Examination
8. Eruption: Driving Ms. Bovee
9. Seka's Fantasies: Funkgasm
10. Opening of Misty Beethoven: Napoleon
11. Amanda by Night: Main Title
12. Deep Throat: Main Title

Sex-O-Rama : Music from Classic Adult Films - Volume 2

1. Blow Me Down
2. Stiffed
3. Seduction
4. Sexercise
5. Love Muscle
6. Pearl Necklace
7. Big Top
8. Private Dick
9. Hard Times
10. Money Shot
11. Bottoms Up
12. Doctor Sex

I Like to Watch: It's Your Day

Seka's Fantasies: Funkgasm

Love Muscle

Xiu Xiu : Chapel of the Chimes

2007-05-19T02:16:00.000+02:00

Deuxième volet de la rétrospective sur la carrière de Xiu Xiu à ce jour : Chapel of the Chimes. Après un premier album extrêmement lourd, voir trop lourd, en pathos Xiu Xiu reviennent avec un EP de cinq titres enregistrés pendant et peu après Knife Play. Sorti sur le label Absolutely Kosher en septembre 2002 (combien de fois en ai-je déjà parlé de ce label ? je ne compte même plus… pour rappel ils distribuent également entre autres les albums de Frog Eyes, Dead Science, The Wrens, etc), seulement 6 mois après Knife Play, cette petite collection fut considérée comme la suite logique du 1^er album. A posteriori il est pourtant possible d’y déceler quelques éléments qui présagent des albums à venir.

Une chanson comme « Jennifer Lopez (sweet science version) » affiche clairement les ambitions du groupe. Beaucoup plus chargée et tendue que tout ce qu’on peut retrouver sur Knife Play, en deux minutes quarante seconde ce titre parvient à scotcher l’auditeur. Le violon celle simple mais distordu, la boite à rythme glaciale frôlant une rythmique drum & bass et l’harmonium en fond parviennent à créer une petite apocalypse bruitiste sur laquelle peut s’appuyer la voix torturée de Jamie Stewart. Les paroles sont complètement secondaires, difficiles à distinguer, mixées bien plus en retrait que sur le premier album. Seuls importent les sons mêlés et entre-mêlés. Connaissant nos larrons on devine qu’il n’est pas question de dauphins et de bisounours mais cela importe peu, cette chanson sonne la révolte là où les titres qui composaient Knife Play insinuaient un replis sur sois.

« I am the center of your world » est clairement une chanson mise de côté lors de la sélection des titres de l’album précèdent. Un piano dissonant avec un rythme cardiaque et un texte d’amour déçu qui évoque un « I broke up » ralenti et dépouillé. Légèrement dispensable donc mais sauvée par la voix de Stewart, qui chante la douleur comme personne d’autre. « King Earth, King Earth » par contre ne parvient jamais à décoller, les sons et le style y sont présents mais on s’ennuie ferme. « Ten Thousand Times a Minute » laisse un petit peu la même impression de complaisance. La musique de Xiu Xiu ne tient toujours qu’à un fil. Tant qu’ils parviennent à équilibrer les morceaux cela fonctionne à merveille mais ils basculent régulièrement dans l’autosatisfaction.

Alors que cet EP commençait à lasser, tout le génie et le talent de Jamie Stewart reviennent à l’assaut pour nous livrer une reprise du « Ceremony » de Joy Division. Joy Division n’a jamais véritablement enregistré cette chanson popularisée par les cendres du groupe (New Order), bien que des versions live circulent. Xiu Xiu par contre en ont fait quelque chose de bien plus grandiose et marquant que New Order. Conservant la mélodie de base de Ian Curtis et y ajoutant une ligne d’harmonium dévastatrice la chanson parvient à paraître joyeuse. Ian Curtis + Jamie Stewart = cœur ? N’allons pas jusque là mais on peut facilement imaginer les deux hommes le sourire aux lèvres en train de le jouer. Qui aurait cru que réunir les deux personnalités musicales les plus noires puisse donner quelque chose d’aussi optimiste ?

Xiu Xiu - Jennifer Lopez (sweet science version)

Xiu Xiu - Ceremony

Et une petite vidéo émouvante de Xiu Xiu en tournée dans des photomatons sur fond du "Ceremony" original de Joy Division

Patrick Watson

2007-05-13T18:43:00.000+02:00

Certains mythes planent sur le monde du rock comme des épées de Damoclès. Commandées par une armée de critiques et chroniqueurs, elles s'abattent inlassablement sur tout nouveau venu dont le style ou la voix ose évoquer un illustre aïeul. JF nous parlait il y a quelques semaines du toujours omniprésent fantôme de Noir Désir dans le monde du rock français lors de son billet sur La Maison Tellier, aujourd'hui c'est au tour d'une autre légende. Débarrassons nous donc immédiatement de ce spectre un peu trop pesant: oui, il est impossible en écoutant certains titres de Patrick Watson de ne pas penser à Jeff Buckley. Les deux hommes ont des voix similaires, aussi à l'aise dans les couplets plus graves que dans les envolées lyriques fragiles. Voilà, c'est dit, nous pouvons passer à autre chose car Patrick Watson a beaucoup plus à offrir qu'un simple pastiche de Grace.

Patrick Watson sont de Montréal même s'ils n'y sont pas nés. "Sont", parce que Patrick Watson est un groupe, qui porte le nom de son compositeur en chef. Pianiste classique et de jazz de formation, Mr Watson aime citer Debussy et Satie parmi ses influences principales et bien que sa musique soit plutôt orientée rock/songwriter on y retrouve bien tous ces éléments. Ses accompagnements au piano sont toujours superbes, souvent émouvants, rappelant la sensibilité du premier album de Maximilian Hecker. Le résultat est pourtant loin d'être dépouillé. Le groupe aime jouer sur des textures sonores, envelopper les mélodies dans des ambiances sous-marines à l'aide de sample vocaux bouclés et mis en écho ou d'un ballon gonflable libérant doucement son air sur les cordes d'une guitare. Loin de s'enfermer dans un carcan de singer/songwriter, le groupe n'hésite pas à expérimenter, à s'éloigner des mélodies pour complètement déconstruire la chanson et entrer dans des territoires plus sauvages, rugueux, sans jamais perdre l'attention de l'auditeur.

La musique du groupe prend véritablement toute son ampleur sur scène. Le talent de Patrick Watson (homme) et son sourire d'enfant, casquette avec oreilles battantes solidement vissée sur la tête, en font un personnage hypnotisant. Lorsque nos yeux parviennent finalement à se décrocher de lui on découvre pourtant tout un groupe terriblement efficace et dont la contribution à la musique est loin d'être anodine. La voix de Patrick Watson ramène pourtant toujours notre regard sur lui. Pendant que nous examinions le pedal steel du guitariste il s'est levé de son piano et avancé à l'avant de la scène armé d'un simple modulateur pour sa voix. Les sons qu'il parvient à en sortir sont captivants, sa technique unique. On se perd dans son chant et dans son assemblage d'échos, si bien qu'on ne réalise pas toujours que ce n'est parfois plus lui mais le batteur qui chante les backing vocals. Ce n'est pourtant pas un tricheur et il n'a nul besoin d'appareillages compliqués pour tenir la salle dans la paume de sa main. Il le prouve en descendant dans le public, pour un "Man under the sea" sans micro, accompagné à la guitare sèche et au tambour par le reste du groupe venu avec lui. Les sceptiques convaincus, ils peuvent retourner sur scène pour terminer la chanson sur des envolées de pianos et guitare électrique.

Trois chansons du deuxième album de Patrick Watson, justement intitulé "Close to Paradise" pour les découvrir. Nous suivrons la logique de ce billet dans leur présentation. Tout d'abord, "Giver" dans lequel le fantôme de Buckley est le plus présent. Ensuite "Weight of the World" qui mets bien en valeur les recherches sonores du groupes, l'utilisation des textures qui rendent ce disque véritablement hantant, la voix de Patrick Watson qui fait planer une tension légèrement inquiétante sur l'ensemble du titre. Finalement, "Man under the Sea", Patrick Watson dénué de tout artifice pour nous livrer une chanson simple et sublime.

Patrick Watson - Giver

Patrick Watson - Weight of the World

Patrick Watson - Man Under the Sea

Site Officiel - Myspace - Acheter "Close to Paradise" sur Amazon

Et comme si composer une musique aussi belle ne suffisait pas, leurs clips sont à également superbes... Voici ceux de "Drifters" et "The Great Escape"

Parce que certains n'en ont jamais assez, sur la video live filmée au festival Icelandic Airwaves l'an passé vous pouvez voir (après un peu plus de deux minutes de blagues style "stand-up" de notre homme) sa technique de chant particulière armé de sa pédale d'echo/loop.

Akron/Family

2007-05-05T10:55:00.000+02:00

Attention, n'assistez jamais à un concert d'Akron/Family si vous n'êtes pas disposés à réévaluer à la baisse la prestation de 95% des groupes que vous ayez vus dans votre vie. Une intensité parfaitement maitrisée, que ce soit dans leurs moments électriques purement rock 'n roll ou dans leurs vocalises à quatre sur des titres aux odeurs de chants religieux des états confédérés. Une capacité à surprendre et à tenir en haleine un public en sautant avec une facilité déconcertante du folk lo-fi, au gospel, à la soul accapela, au rock/post-rock et même au hip hop légèrement funky. Tout cela au cours d'une même chanson parfois. Cela peut sembler tenir du gimmick mais ils le font avec une telle facilité et fluidité qu'il est impossible de ne pas être littéralement transporté dans ce voyage à travers les genres. Pour réaliser ce tour de force Akron/Family ne s'enferme pas non plus dans une bulle, l'interaction avec le public est maximum. Que ce soit par des claquements de doigts ou de mains, des danses au milieu du public, des chants repris en coeur par toute la salle, la distribution d'instruments à la vingtaine de personnes montées sur scène, leur manière de rebondir sur un "She loves you yeah yeah yeah!" lancé aléatoirement par un spectateur, ils utilisent de tous les moyens pour créer de l'interaction et établir une réelle relation avec les gens. Un concert d'Akron/Family ne se regarde pas, il se vit, le sourire jusqu'aux oreilles. Finalement, ce qui rend leurs concerts tellement agréable c'est la sensation d'assister non pas à un show bien rôdé mais une répétition. La répétition d'un groupe d'amis, prenant un plaisir fou à faire de la musique, sortis de tout cadre formatté, prêts à déraper et rebondir sur leurs inspirations du moment, là pour s'amuser avant tout et prêts à emporter avec eux quiconque se laissant succomber à leur joie de vivre communicative.

Avant de venir fouler de leurs pieds de micros le sol européen, le groupe a enregistré deux albums sur Young God Records, le label de Michael Gira (de Angels of Light, mais on retrouve également sur le label quelques têtes pensantes de la folk américaine comme Swans, Lisa Germano ou encore Devendra Banhart). Ils ont également sorti un album partagé avec lui, dont la moitié des chansons étaient de Akron/Family et l'autre de Angels of Light. Leur premier album éponyme est extrêmement calme, composé de chansons enregistrées à la maison. Des mélodies douces et mélancoliques dans lesquelles se cotoient les guitares, les craquement de chaise, les clochettes, les bruits d'eau, les banjos, les sonorités électroniques et les harmonies vocales. Un album délicat à écouter avec la plus grande attention et de préférence confortablement installés dans une veranda, jack on ice à la main, au crépuscule d'une journée caniculaire. "Meek Warrior", leur deuxième album complet, ne semble pas être l'oeuvre du même groupe. S'ouvrant sur le chaotique "Blessing Force" (9:30 au compteur) il rappelle plus leurs prestations live. Plus bruyant, moins cohérent que son prédécesseur, il ne se révèle véritablement qu'après plusieurs écoutes et prend tout sons sens après les avoir vus sur scène, surtout "love and space" final accapela ou chacun des membres du groupe se relaient pour invoquer dieu et lui demander d'ouvrir leur coeur à l'amour.

En écoute je vous propose deux titres, "Before and Again", plage d'ouverture de leur premier album. Très calme, quelques arpèges, un chant assez aigu accompagné d'harmonies (c'est la seule chanson où il chante de cette manière) et un bip-bip de Spoutnik pour accompagner le tout. One Two Three ça semble véritablement décoller et puis stop. Formidable début pour un album magnifique. La deuxième chanson, "Moment", est issue de l'album partagé pour moitié avec Michael Gira et ses Angels of Light. On y découvre l'autre facette de Akron/family, plus bruyante, énergique, chaotique et surtout imprévisible(le premier qui coupe le morceau avant 1:01 sera excommunié). Ce deuxième titre excellent est pourtant encore loin de faire justice à leurs prestations scénique...

Akron/Family - Before and Again

Akron Family - Moment

Site Officiel - Young God Records - MySpace - Amazon

Handsome Furs

2007-04-27T10:26:00.000+02:00

Il y a-t-il un groupe en ce moment qui concentre autant de talent et de bouillonnement créatif que Wolf Parade? Depuis la sortie en 2006 de leur fantastique premier album "Apologies to the Queen Mary" tous les membres du groupe ont été actifs dans un nombre incalculable de projets parallèles. Spencer Krug a sorti un album avec Sunset Rubdown, participé aux albums de Frog Eyes et au projet Swan Lake, la collaboration avec Dan Bejar et Carey Mercer. Dante DeCaro, anciennement de Hot Hot Heat, a sorti un très bon album sous le sobriquet "Johnny and the moon", sans oublier la collaboration un petit peu plus anecdotique pour l'instant mais assez excitante avec Nick Diamond et Jamie Thompson de Islands/Unicorns ainsi que Syd Butler de Les Savy Fav, tout ça sous le nom ridicule "Final Fantasy: Online a.k.a. Internet" (la légende veut que le nom soit issu d'une private joke avec Owen Palett de Final Fantasy). C'est maintenant au tour de Dan Boeckner, un des deux chanteurs et guitariste du groupe, de nous éblouir avec son projet Handsome Furs qui sortira son premier album "Plague Park" le 22 mai sur Sub Pop. En plus de tout cela, il paraîtrait qu'ils se sont tous réunis pour préparer le nouvel album de Wolf Parade. Il y a de quoi donner des allergies à tous ceux qui parviennent péniblement à sortir dix chansons tous les trois ans...

Handsome Furs est un projet initié en 2006 par Dan Boeckner et sa fiancée Alexei Perry (décidément ce concept est à la mode puisque Avey Tare de Animal Collective et sa compagne Kria Brekkan de Múm ont fait de même). Tous ceux qui sont familiers avec Wolf Parade ne se retrouveront pas en territoire inconnu. On retrouve chez Handsome Furs les ingrédients principaux du groupe, sauf un, le petit grain de folie de Spencer Krug. Même si leur musique n'est pas comparable, l'effet obtenu n'est pas sans rappeler l'album de Thom Yorke amputé du reste de Radiohead. Un album plus posé, et probablement plus personnel, que j'imagine bien être la bande son des pensées de Boeckner lors d'un retour en voiture au petit matin après un concert éprouvant avec son projet principal. Une ambiance nocturne et rêveuse plane sur l'intégralité du disque, en partie due à l'utilisation sur la plupart des titres d'une boite à rythme en lieu et place de la batterie frénétique à laquelle il nous avait habitués. La voix de Boeckner, légèrement cassée et usée comme un lendemain de veille, est toujours aussi immédiate et son phrasé, un rien plaintif et machant doucement ses mots séduit.

"Plague Park" est un album très fort qui sera plus que certainement dans les meilleurs de l'année pour moi... et qui nous permettra de patienter avant le prochain Wolf Parade. Deux chansons pour le découvrir : "What We Had", plage d'ouverture poignante de l'album, et "Cannot get started" qui illustre bien l'aspect plus dépouillé de leur musique. Si vous avez encore quelques minutes à leur consacrer, regardez la vidéo de "Dumb Animal". C'est non seulement la plus belle chanson de l'album, une des chansons de l'année probablement, mais également une des meilleures vidéos de ces dernières années. Intrigante, noire, presque dérangeante par moments et une photographie superbe.

Handsome furs - What we had

Handsome Furs - Cannot Get Started

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Xiu Xiu : Knife Play

2007-04-24T15:41:00.000+02:00

Commence aujourd’hui le premier billet d’une longue série retraçant pas à pas la discographie de Xiu Xiu. Rassurez-vous, tout ne viendra pas en une fois et il y aura toujours des billets consacrés à d’autres groupes mais dans les prochaines semaines, au rythme maximum d’un billet par semaine, nous parcourrons ensemble toute leur œuvre.

J’ai longtemps hésité sur la manière de procéder, Xiu Xiu n’étant pas le groupe le plus facilement abordable. Ce sera finalement chronologiquement que je présenterai tous les albums, EP, singles et collaborations en commençant par leur premier album, « Knife Play ». Avant de se rebaptiser Xiu Xiu, Jamie Stewart (le pivot central du groupe, Mr Xiu Xiu pour certains) avait déjà eu deux groupes, « The Indestructible Beat of Palo Alto » et « Ten in the swear Jar » sur lesquels je reviendrai à la fin de la série.

Avant d’entrer dans le vif du sujet (« Knife Play ») brossons rapidement un petit portrait du groupe. Xiu Xiu (qui se prononce « Chiou Chiou ») est principalement le projet musical d’un seul homme, Jamie Stewart. Le nom est tiré d’un film chinois, « Xiu Xiu : The sent down girl ». Originaire de Californie et né dans une famille musicale (son père a produit des albums de Tom Jones et Billy Joel entre autres), il commença sa carrière dans un groupe de reprises R&B. Rien ne laissait donc présager le virage musical bruitiste qu’il allait prendre. Ce n’est qu’en 2000 que le groupe se forma réellement, accompagné de Cory McColloch qui produit tous les albums de Xiu Xiu jusque « La Forêt » mais abandonna les tournées et quitta le groupe avant la sortie de leur deuxième album « A Promise ». Participaient également au line-up original Yvonne Chen qui le quitta pour se consacrer à sa boutique végétalienne et Lauren Andrews qui resta dans le groupe jusque 2004.

Knife Play

En 2002, Xiu Xiu sort donc son premier album « Knife Play ». C’est probablement l’album le plus sombre du groupe mais également un des plus riches dans ses sonorités et textures. J’ai longtemps hésité à procéder chronologiquement pour cette rubrique car c’est le dernier album de Xiu Xiu que je recommanderais lors d’une première approche du groupe. Les thèmes abordés sont extrêmement noirs, le mal-être, la mort, la maladie, la dépression, l’aliénation, le suicide pour ne citer que les principaux. Vous l’avez compris, Xiu Xiu ne fait pas dans la légèreté. L’album s’ouvre sur le titre « Don Diasco », par ce qui ressemble à des bruits de couverts tapant contre de la vaisselle, puis une grosse caisse sourde bat le rythme, une nappe de synthé s’active, et soudain une voix déchirante, fluette et haut perchée retentit « Can god hear me ? ». Bienvenue dans le monde de Xiu Xiu.

“I broke up” le deuxième titre est naturellement une histoire de dépression et de petages de plombs sur fond de boite à rythme répétitif et de distorsions oppressantes. Une atmosphère qui se marie à merveille avec les divagations de Jamie Stewart qui s’exclame « Breaking into children’s hospitals crying out : don’t fuck with me, don’t fuck with me ! » avant de se réincarner dans ce qui pourrait être un mari qui n’en peut plus ou un adolescent qui vomit sa famille lors d’un long voyage en voiture à travers le midwest américain : « this is the worst vacation ever, I am going to cut open your forehead with a roofing shingle »

« Hives hives”, est un présage des albums qui vont suivre et de la sensibilité pop cachée au fond de Jamie Stewart (très profondément parfois). Il parvient à transformer des paroles sordides en une sorte d’hymne mélancolique défaitiste sur le sida : « A*I*D*S*H*I*V, I can not wait to die, can you tell, can you tell? ». « Dr troll » qui suit ce titre parait presque apaisante après l’intensité de « Hives Hives », et pourrait être une simple ballade si elle n’était pas entrecoupée de distorsions.

Viennent ensuite trois titres avec l’amour en thème principal, mais dans le monde de Xiu Xiu l’amour ne rend jamais heureux. Première chanson de ce tryptique, « Anne Dong » nous relate l’histoire d’un amour réprimé (« You’re not coming to my Birthday, I know ») sur fond de goûtes tombant au fond d’un tonneau ou bien quelqu’un qui tape une pierre contre un tuyau. « Suha » se fait immédiatement l’antithèse de cette histoire avec un amour vécu trop tôt, une femme qui se retrouve piégée dans un mariage avec des enfants (« i hate my husband, i hate my children, I am going to hang myself, when will i be going home »), tout cela dans l’ambiance glaciale d’une guitare sèche et d’une boîte à rythme. « Poe Poe », seule chanson de l'album qui eut droit à un clip, termine ce trio avec un début tout en douceur, avec des cloches, qui laisseront place à un rythme presque techno étouffé, des envolées de guitare électrique et un son de maracas métallique. Pendant ce temps là Jamie Stewart nous conte l’histoire d’une adolescente pourrie gâtée qui se tape un vieux de 50 ans pour l’argent.

Ce n’est que pour clore leur album que Xiu Xiu laisse un petit peu de place à l’espoir et au bonheur, sur le très beau « Tonite & today » dans lequel il console tout en douceur et retenue une amie blessée. Peut-être tente-t-il également de consoler l’auditeur émotionnellement éprouvé par les dix premier titres de son album. Tonight and today the smallest kiss in the world, I won’t forget it…

Xiu Xiu - Poe Poe

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Quelques vidéos pour ceux qui veulent aller plus loin...

Le clip de "Poe Poe"

"Hives Hives", live

"I Broke up", Live à Chicago en 2003

"Poe Poe", Live à Mexico en 2003

"Tonight and today", live, pour terminer en douceur

Frog Eyes

2007-04-16T15:04:00.000+02:00

Frog eyes nous revient dans deux semaines avec un 4e album, "Tears of the Valedictorian". Voici l'occasion idéale de revisiter leur discographie passionnante. Pour ceux qui les découvrent, Frog eyes est un quatuor canadien, de Victoria pour être précis. Ils nous ont déjà gratifiés de trois albums (The Bloody Hand, The Golden River, The Folded Palm), qui forment selon Carey Mercer, le chanteur/auteur/compositeur du groupe, une trilogie. En plus de ces trois opus principaux ils ont sorti "Ego Scriptor" dans lequel ils reprenaient des chansons de leurs trois albums dans des versions acoustiques. Ils ont également enregistré un EP l'an passé afin de faire patienter les fans les plus avides avant le nouvel album (la pochette était d’ailleurs d’un goût certain). Frog eyes est souvent assimilé à la scène folk/rock déjantée canadienne, avec laquelle ils partent régulièrement en tournée (des affiches qui font d'ailleurs rêver la groupie que je suis mais qu'on ne verra probablement pas de si tôt en Europe). Ils sont d'ailleurs amis avec Dan Bejar (Destroyer/New Pornographers) avec lequel ils ont collaboré pour l’EP "Notorious Lightning and other Works" et avec Spencer Krug de Wolf Parade. Ces trois jeunes gens se sont récemment réunis pour former le groupe Swan Lake et sortir l'excellent "Beast Moans" sur lequel on reviendra dans un billet futur

Même si les membres de Frog Eyes sont amis et collaborent avec d'autres musiciens issus de la scène canadienne ils n'en ont pas pour le moins une personnalité très forte et un son unique. Pour essayer d'approcher une description de la musique de ce groupe il faut imaginer un croisement entre les moments de pure folie de Tom Waits/Captain Beefheart, les mélodies de David Bowie et l'intensité lyrique et émotionnelle d'un David Eugene Edwards (que ce soit sous la forme de 16 Horsepower ou Woven Hand). Tous ces éléments mis ensemble ne donnent pourtant encore qu'une partie de Frog Eyes. Ce qui rend ce groupe véritablement unique c'est le chant de Carey Mercer qui virevolte des graves aux aigus, des cris aux chuchotements, des mélodies pures à l'anarchie la plus totale. J'imagine que chaque concert doit être une véritable performance physique dans ces conditions là. Bien que le chant soit toujours bien en avant dans leur musique (et comment faire autrement avec une voix et un style pareil) les musiciens ne déméritent pas du tout, même si cela s'avère parfois difficile de suivre toutes les inspirations de Carey Mercer.

Emotionnellement intense la musique de Frog eyes l'est. Il est difficile de sortir indemne d'une écoute attentive d'un de leurs disques. Enchainer plus d'un disque peut être une expérience traumatisante. Absolutely Kosher l'a peut-être compris car dans les deux rééditions qu'ils ont sortis l'an passée, ils ont ménagé une silence de une minute entre le disque original et les bonus ajoutés, de quoi laisser le temps de souffler un peu (enfin, peut-on vraiment parler de bonus quand ils ajoutent sur le même CD la totalité d'un des albums de Blue Pine, l'ancien groupe de Carey Mercer). Certaines chansons sont assez terrifiantes et il y a vraiment de quoi se poser des questions sur la santé mentale de leur auteur. Prenons par exemple la plage d'ouverture de The Golden River, "One in six children will flee in ships" (le titre fait déjà un peu froid dans le dos). Il y est question de personnages d'heroic fantasy, de lapins, et puis la chanson s'adoucit et nous sommes comme projetés dans la tête d'un capitaine corsaire qui devient fou avec les craquements de son bateau. Le lien? Je crois qu'il n'y a qu'une seule personne qui pourrait l'expliquer mais je doute qu'il en ait envie.

"Silver gnomes all in my dome and cameras can finally roam By themselves, they've got hearts to moan And friends of mine have got friends with coke Oh, rabbit, rabbit, you've this habit of breaking legs and nouveau carat And my heart has passed its final rite and it's breaking legs for dollars These blue boards keep on creaking in my head These blue boards, creaking on my ship"

Ou encore sur "Silence but for the gentle flowing creek", issu de The Bloody Hand, dans laquelle il répète inlassablement "Put you Rock 'n Roll hand in the god damn burning sand" avant de se lancer dans une reprise du magicien d'Oz à coup de "Ding! Dong! The witch is dead!" , entrecoupés de longs cris gémissants. Amis de la santé mentale bonsoir, ici vous ne trouverez que de la schizophrénie et des névroses. Je suis d'ailleurs persuadé que si les bourreaux de Guantanamo avaient connu Frog Eyes, ils n'auraient jamais choisi d'infliger Metallica aux Talibans capturés (ce qui en plus d'être cruel était une véritable faute de goût ;-) )

Pour se forger une idée de ce que Frog Eyes peut faire je vous propose de découvrir chronologiquement la plage d'ouverture de chacun de leurs albums. Frog eyes a en effet pour habitude de larguer tout de suite une bombe pour démarrer ses disques. Finalement, vous trouverez en avant-première "Bushels", premier extrait de "Tears of the Valedictorian" paru sur internet il y a quelques semaines. Frog Eyes s'y écarte de la concision à laquelle ils nous avaient habitués (un album ne dépasse pas 35 minutes) pour se lancer dans une chanson épique de plus de huit minutes. Je sens que notre santé mentale va encore en prendre un coup...

Frog Eyes - Sound Travels From the Snow to the Dark (2002)

Frog Eyes - One in Six Children will Flee on Ships (2003)

Frog Eyes - The fence Feels its Post (2004)

Frog Eyes - Bushels (2007)

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The Little Ones & SDOLE

2007-04-10T16:31:00.000+02:00

Virage à 180°. Après un précédent billet plutôt long et sérieux sur les liens entre la politique et la musique aux Etats-Unis, retrouvons un petit peu de lègèreté avec The Little Ones. Ce groupe originaire de Californie nous a gratifié d'un premier EP, "Sing Song" il y a quelques mois, qui convient parfaitement aux journées ensoleillées de ces derniers jours. De l'indy pop sans prétention qui devrait plaire aux amateurs de Belle and Sebastian ou encore Los Campesinos (dont je vous avait déjà parlé ici), le tout dans un style plus psychédélique (quoi de plus normal pour des californiens). "Oh MJ!" que je vous propose ici peut sembler terne et un rien banal à la première écoute et puis elle s'ancre dans notre cerveau et on se surprend à la siffloter en pleine journée... Je ne pense pas que ce groupe fera forcément de grandes choses à l'avenir mais j'ai toujours un peu de place sur mon étagère et dans ma playlist pour ce genre petits plaisirs...

"Slide into the middle, don't wait for an answer
a maze of discolights, we never knew you were a dancer!"

The Little Ones - Oh, MJ!

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Deuxième coup de projecteur du jour pour The Strange Death of Liberal England, un quintet qui contrairement aux Little Ones risque de faire beaucoup parler de lui dans les prochains mois/années. Ils sortiront la semaine prochaine leur premier single, "A Day, Another Day". Imaginez Silver Mt Zion qui reprendrait Arcade Fire et vous aurez une petite idée de ce à quoi peut ressembler leur musique. Un mélange de post-rock dans lequel on ne rechigne pas devant un long instrumental (voir un morceau purement instrumental) et des longues montées en puissance parsemées de moments de frénésie avec tout le groupe qui chante/crie en coeur comme peuvent le faire les canadiens d'Arcade Fire. Petit bémol, la voix du chanteur principal lorsqu'il chante seul qui est un rien irritante... Un premier single qui ne parviens donc pas à convaincre totalement mais qui laisse présager de grandes choses pour l'avenir. En attendant un album...

Pas de mp3 pour une fois, juste le clip de "A day, another day"

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Musique et politique : la protest song américaine

2007-04-06T08:35:00.000+02:00

La chanson protestataire n'est pas née aux Etats-Unis, loin de là. C'est un art qui existe depuis que l’homme a imaginé qu’il serait possible de mettre en musique autre chose que des textes religieux mais ce genre s’est toujours heurté à la liberté d’expression. Au Moyen-Âge par exemple, des troubadours amusaient les foules avec des chansonnettes tournant un seigneur local en dérision. Les notions protestataires avaient beau être calfeutrées sous un voile d’humour il est pourtant certain que si les textes les plus incisifs nous étaient parvenus nous pourrions y retrouver quelques critiques sociales intéressantes. Ce billet se concentrera pourtant sur les "protest songs" made in the USA car le pouvoir et l'influence des Etats-Unis étant ce qu'ils sont, ce sont souvent les textes les plus influents. Des prochains billets dans les semaines qui viennent se concentreront sur la chanson protestataire francophone et anglaise. Retraçons donc rapidement un historique de la protest song américaine avant de présenter ceux qui ont récemment exprimé joliment une opinion politique en musique.

Nous pouvons identifier dans la musique contemporaine américaine deux grandes périodes au contexte social tendu durant lesquelles s’est véritablement développé le genre. La première période correspond grossièrement au début du 19^e siècle aux Etats-Unis avec l’intensification de l’esclavage. Afin de s’exprimer sans subir les châtiments corporels de leurs maîtres les esclaves noirs américains avaient inventés tout un jargon de métaphores qu’ils chantaient en travaillant. C’est l’ « Underground Railroad », les chansons circulant de plantation en plantation sans que les propriétaires terriens ne puissent comprendre ce qu’elles signifient réellement. L’impact de ces chansons sur la musique contemporaine et sur l’héritage culturel américain fut considérable et beaucoup nous sont parvenues, la plus connue étant le fameux « Swing Low Sweet Chariot » dans laquelle le terme « chariot » désignait l’évasion.

Paul Robeson - Swing Low Sweet Chariot

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La deuxième période de gloire de la chanson protestataire américaine est sans aucun doute les années 60 et toute la mouvance pacifiste dont Bob Dylan fut bien malgré lui le porte drapeau. Bien malgré lui car Dylan n’a de ses propres aveux jamais été intéressé par la politique. Dans ses textes il se contentait souvent de décrire des situations et de mettre en musique ce qu’il en pensait. Un art qu’il avait appris en étudiant scrupuleusement l’œuvre et les méthodes de Woodie Guthrie, un chanteur folk américain engagé qui enregistra la majorité de son œuvre dans les années 40 et 50. La plupart des chansons de Dylan de ces années là étaient d’ailleurs extrapolées de coupures de presses. A posteriori, Dylan était donc à cette époque plus un artiste doté d’une conscience politique et d’un sens de la justice qu’un activiste politique. En reparcourant ses textes vous n’y retrouverez d’ailleurs jamais d’attaques frontales ou de noms. Le plus proche que Dylan soit allé de la « Protest Song » véritablement engagée est « Masters of War », qui reste pour moi son chef d’œuvre absolu. Bien qu’il y décrive à qui s’adresse sa chanson (You that build all the guns, You that build the death planes, You that build the big bombs, You that hide behind walls, You that hide behind desks) c’est toute l’industrie et la politique de la guerre qu’il attaque. C’est une chanson pacifiste mais elle n’est politique que par son contexte, écrite dans un pays menant une guerre. Toujours est-il que cette chanson n’a jamais été surpassée en terme d’écriture bileuse contre ceux qui dirigent et participent aux efforts de guerre :

”And I hope that you die
And your death'll come soon
I will follow your casket
In the pale afternoon
And I'll watch while you're lowered
Down to your deathbed
And I'll stand o'er your grave
'Til I'm sure that you're dead”

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Bob Dylan - Masters of War

Bob Dylan fut élevé (et piégé ?) en tant qu’instigateur d’un mouvement protestataire qu’il n’avait nullement l’intention de mener par les medias qui découvraient alors une nouvelle forme de musique, bien loin de la naïveté et des futilités du twist et autres crooners amoureux véhiculés par les chaines nationales. Le début des années 70 annonça la fin des illusions des protestataires des années précédentes et ce ne fut qu’à l’arrivée des punk que de véritables chansons engagées réapparurent. Les punks avaient toutefois changer la manière, préférant l’attaque frontale et la critique du système et de la société dans son ensemble. Les Sex Pistols et les Clash furent les têtes de proues des mouvements en Angleterre mais l'engouement ne fut jamais le même aux Etats-Unis. Même si la langue facilita l'exportation de cette vague, les textes des groupes étant profondément ancrés dans la réalité sociale britanique ils ne résonnèrent pas de la même manière dans la population américaine.

Dans les années 80 et 90, les protestataires folk/rock se firent plus discrets. Cela fut autant le fruit d'une moindre médiatisation des éléments qui dérangent que d'une radicalisation de leur musique. Des groupes comme Black Flag et Rage Against the Machine on continué a porter haut leurs convictions politiques et leur volonté de changement. Durant ces décénies, ce sera surtout dans le mouvement hip hop que la protestation se développera, même si elle s'oriente principalement contre les discriminations raciales de la société (impossible d'être plus direct que le "Fuck the Police" de NWA). En 1984 pourtant, Bruce Springsteen fit un énorme carton avec son "Born in the USA". Souvent méprise pour une chanson patriotique, fière de son pays à cause de son refrain tout à fait ironique, "Born in the USA" est en réalité une critique sociale très dure de l'amérique profonde comme les Clash ont pu le faire en Angleterre.

" Born down in a dead man's town
The first kick I took was when I hit the ground
You end up like a dog that's been beat too much
Till you spend half your life just covering up"

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Avec l’arrivée de Bush au pouvoir et sa politique post-11/09 on vit grandir une nouvelle vague d’opposants folk/rock, composés de vieux de la veille et de petits nouveaux. On assista à de grandes manifestations d’artistes engagés (plus ou moins crédibles) dans le mouvement « Vote for change » lors des dernières élections américaines. La chanson protestataire est donc loin d’être enterrée, même en dehors des milieux « underground » ou purement punk. La preuve avec quatre morceaux récents d’artistes quasiment « grand public »

Commençons par Conor Oberst, alias Bright Eyes. Son succès est principalement basé sur un mélange de folk et d’americana traitant plus de ses émotions et aventures sentimentales que de politique. Pourtant, il a écrit la "Protest Song" la plus virulante et directe de ses dernières années, un uppercut dans la mâchoire de Georges Bush. Critiquant la guerre, l’élection volée, la politique interne, la bêtise et les inspirations divines de son dirigeant, tout ça avec une agressivité dans la voix et un ton qui fait plaisir à entendre.

“When the president talks to God
Does he fake that drawl or merely nod?
Agree which convicts should be killed?
Where prisons should be built and filled?
Which voter fraud must be concealed
When the president talks to God?”

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Bright Eyes - When the President talks to God

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Deuxième chanteur épinglé dans cette série, Tom Waits. On ne présente plus ce monument à la voix inimitable dont la carrière débuta au début des années 70. Il n’a jamais été politisé, restant toujours bien à l’écart des considérations politiques, dans un petit monde bien à lui. Sur son dernier album, le triple "Orphans: Brawlers, Bawlers & Bastards", on retrouve pourtant « Road to Peace », une description, complètement factuelle du conflit israelo palestinien, ne prenant aucun parti, décrivant les atrocités dans les deux camps et terminant sur une considération forte, assez désabusée : « Maybe god himself he needs all of our help along the road to peace ». Son mode descriptif se rapproche plus de ce que faisait Dylan donc

« Israel launched it's latest campaign against Hamas on Tuesday
Two days later Hamas shot back and killed five Israeli soldiers
So thousands dead and wounded on both sides most of them middle eastern civilians
They fill the children full of hate to fight an old man's war and die upon the road to peace”

texte complet

Tom Waits - Road to Peace

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Troisième larrons, les Decemberists. Sur leur troisième album (« Picaresque ») on retrouve « 16 military Wives » traitant de l’absurdité de la guerre en Irak et des veuves des soldats qui reviennent du conflit entre quatre planches de bois. On y trouve également des critiques de l’impérialisme américain (if America says it's so, It's so!”) et de l’inertie des médias, qui sous le joug du pouvoir n’osent pas s’opposer ouvertement (« And the anchorperson on TV goes... La de da de da »)

“Sixteen military wives
Thirty-two softly focused brightly colored eyes
Staring at the natural tan
of thirty-two gently clenching wrinkled little hands
Seventeen company men
Out of which only twelve will make it back again
Sergeant sends a letter to five
Military wives, whose tears drip down through ten little eyes

Cheer them on to their rivals
Cause America can, and America can't say no
And America does, if America says it's so
It's so!”

Texte complet

The Decemberists - 16 Military Wives

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Terminons avec un rescapé des 60s qui n’a rien perdu de sa fougue et de son franc-parler, Neil Young. Je connais très peu son travail en dehors de « Harvest » et « Comes a time », ayant trop vite écarté tous ses enregistrements électrisés suite à une mauvaise expérience. « Let’s Impeach the President » est un véritable cri de guerre, chanté en chœur d’ailleurs, qui se passe de commentaires tellement il est direct…

« Let's impeach the president for lying
And leading our country into war
Abusing all the power that we gave him
And shipping all our money out the door

He¹s the man who hired all the criminals
The White House shadows who hide behind closed doors
And bend the facts to fit with their new stories
Of why we have to send our men to war “

Texte complet

Neil Young - Let's Impeach the President

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Alors, musique et politique, le débat reste ouvert. Je comprends tout à fait que certains artistes ne veuillent pas s’en mêler mais entendre certaines personnes prétendre qu’il faut toujours dissocier les deux et que la politique n’a pas sa place dans la musique m’insupporte. Si vous connaissez d'autres bonnes chansons protestataires récentes, n'hésitez pas à nous les faire partager!

Pour ceux qui ont un petit peu de temps et veulent rigoler un bon coup, voici une conférence de presse de Bob Dylan en 1965. Des journalistes complètement à côté de la plaque lui posent des questions idiotes et il ne se gène pas pour se moquer d'eux sans qu'ils ne s'en rendent compte.
"- How many protest singers are there?
- euuuuhhhhh, 136"
"- Are you a protest singer ?
- No, I only make love songs"
C'est long et la qualité est exécrable mais ça vaut vraiment la peine

Et si vous voulez voir Bob Dylan mettre un journaliste en boite comme personne d'autre...

Serge Gainsbourg et Jean-Claude Vannier

2007-04-04T17:25:00.000+02:00

Si le nom et le personnage de Serge Gainsbourg sont connus par le commun des mortels, il n’en va pas de même pour Jean-Claude Vannier. Pourtant, ce dernier a collaboré, et le mot est faible, au chef d’œuvre de Gainsbourg : « L’histoire de Melody Nelson ». Cet album, considéré par beaucoup comme étant un des albums majeurs de la chanson française a inspiré et inspire toujours une quantité impressionnante d’artistes de la scène internationale comme Beck, Air, Portishead, ou encore Tricky pour rester dans la mouvance trip-hop. Échec commercial retentissant à sa sortie, disque culte vingt ans plus tard, « L’histoire de Melody Nelson » conforte un peu plus aux yeux du public l’image d’artiste maudit que véhicule toujours Gainsbourg. Si ce dernier est à l’origine des textes précieux et recherchés de l’album, la musique est en très grande partie due à la présence de Jean-Claude Vannier. Ce dernier, jeune compositeur à l’époque (en 1971), est à l’origine de toutes les orchestrations sur lesquelles reposent l’entièreté du travail textuel et musical de Gainsbourg.

Cependant, ce n’est pas sur cet opus que je m’attarderai aujourd’hui. En effet, cette collaboration Gainsbourg-Vannier n’est pas la première. Un an avant la parution de « L’Histoire de Melody Nelson », les deux hommes collaborent pour la première fois sur la bande originale du film « Cannabis » dans lequel Gainsbourg et Birkin tiennent les rôles principaux. Le film, loin d’être extraordinaire, tombera dans l’oubli (mais il est encore disponible en import japonais, petits veinards!) ainsi que sa bande originale. Cette dernière est ressortie il y a peu de temps chez Universal, à la faveur d’une collection regroupant les bandes originales les plus marquantes de l’histoire du cinéma. Absente des diverses compilations sur Gainsbourg publiées au fil du temps (y compris l’intégrale), cette lacune méritait d’être comblée.

L’unique plage chantée de ce disque est la première (assez moyenne) , ce qui fait de cet album un album à grande majorité instrumental, vous l’aurez deviné. C’est donc à partir de la deuxième que commence vraiment le travail du tandem Gainsbourg-Vannier. Gainsbourg, incapable de composer pour un orchestre, partage les manettes avec Vannier durant l’entièreté de l’œuvre. Cette deuxième plage, « Première Blessure » donne le ton pour tout l’album. Orchestrations luxueuses, ligne de basse virevoltante et batterie omniprésente (c’est sur ce même trio que sera basée « L’Histoire de Melody Nelson » un an plus tard). L’album progresse, mystérieux (Jane dans la nuit) et psychédélique (Chanvre indien) avant d’arriver à son cœur pour le grandiose « Avant de mourir », véritable condensé de l’album qui reprend plusieurs des mouvements distincts présents le long du disque, les modifiant discrètement en y ajoutant guitares et synthétiseurs (petit rappel, on est en 1970). Après ce climax, l’album se referme lentement et gracieusement sur les mêmes instrumentations stylées et les arrangements de premier choix. Le dernier morceau reprend le thème du premier morceau chanté.

La boucle est bouclée et l’on reste un peu sur le cul, il faut bien l’avouer. Pourquoi donc me direz-vous ? Car, en plus d’être un prémisse du fabuleux « Histoire de Melody Nelson », cette bande originale reste d’une actualité flagrante. Et il ne faut pas être un as pour remarquer qu’un certain groupe Versaillais s’en est franchement inspiré, notamment pour la B.O. de « Virgin Suicides » de Sofia Coppola, ce qui néanmoins n'enlève rien à la qualité de ce disque.

Vannier, lui, est resté complètement dans l’ombre, n’étant qu’à peine cité sur ce disque ainsi que sur le second du duo, « L’histoire de Melody Nelson ». Il publiera un splendide album en 1972, véritable OVNI, « L’enfant assassin des mouches » sur lequel j’espère revenir bientôt. Il s’illustre aussi en composant pour plusieurs noms de la chanson française, comme Jonasz, Hardy, Nougaro, Barbaba et en travaillant sur des B.O. de quelques films, un des derniers en date étant (accrochez-vous !!) la "Tour Montparnasse infernale".

Son actualité récente est sans conteste la plus intéressante, avec la réinterprétation de "L’histoire de Melody Nelson" en public au Barbican à Londres, avec les musiciens ayant participé au disque à l’origine ,à savoir Dougie Wright, Big Jim Sullivan, Herbie Flowers et Vic Flick, et ayant comme support vocal en talk-over, Jarvis Cocker (de Pulp), Badly Drown Boy, Mick Harvey (des Bad Seeds) et Gruff Rhys (des Super Furry Animals) in french s'il vous plaît.

S. Gainsbourg et J.-C. Vannier - Avant de Mourir

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Menomena

2007-04-02T11:52:00.000+02:00

Menomena. Voici un groupe avec un nom fort agréable à prononcer mais dont le nouvel album (leur 3e), "Friend and Foe" me laisse perplexe. Selon mon humeur je peux l'adorer ou bien rester totalement indifférent. La force et la faiblesse de ce trio de musiciens multi-instrumentalistes de Portland, c'est qu'ils ont condensé en 12 plages tout ce qui se fait de mieux dans l'indy rock américain. Si des scientifiques voulaient enfermer dans une capsule temporelle à destination du futur l'état de l'indy made in USA, ils pourraient presque se contenter de cet unique album:

1. "Muscle 'n' Flow" c'est du Modest Mouse avec une pedal steel en plus
2. "The Pelican" sonne comme un croisement TV on the Radio / Wolf Parade
3. "Wet and Rusting" c'est My Morning Jacket mené par Jonathan Donahue de Mercury Rev
4. "Air Aid" avec son saxophone me rappelle un morceau de Morphine un peu plus construit
...
6. "Rotten Hell" aurait pu être sur "Sumday" de Grandaddy en le ralentissant un peu
...
8. "My My" c'est une chanson perdue de The Clientele
...

Cette constatation nous ramène à l'éternel débat entre l'imitation et l'innovation. Vaut-il mieux essayer d'innover en se plantant ou bien imiter superbement? Les puristes ne jurent que par l'innovation mais une imitation bien réalisée est loin d'être évidente, et peut apporter autant de plaisir que l'originale. Preuve en est le nombre incalculable de groupes basés sur une formation guitare/basse/batterie/voix jouant du pop/rock sans ambition et qui pourtant, pour certains, parviennent toujours à trouver des airs entêtants et exciter les gens comme l'ont fait leurs prédécesseurs.

Mettons ces considérations philosophiques de côté et revenons-en à Menomena. Il serait injuste de les réduire à la somme de leurs influences. Leurs chansons ont beau rappeler certains illustres congénères, elles n'en sont pourtant pas des copies carbonne. Ils parviennent toujours à rajouter ce petit "on ne sait quoi" qui rend leurs compositions originales. Même si elles semblent familières, on ne parvient souvent pas à véritablement mettre le doigt dessus. Quand on pense avoir trouver ce que la chanson nous rappelait, une habile déconstruction/reconstruction vient tout chambouler et l'on se retrouve tout à coup dans un nouveau territoire semblant familier mais pourtant inconnu et pleins de surprises. Tous les titres du groupe sont complexes et les instruments de tous bords, guitares, saxos, glockenspiel s'y confrontent agréablement. La palette sonore explorée est véritablement impressionante à l'image de toutes les influences précitées. Ces trois gars osent même insérer des sifflotement qui feraient palir les Peter,Bjorn & John sur le très justement nommé "Boyscoutin'". Cette chanson pourrait d'ailleurs être insérée dans Blanche Neige et les sept nains ou encore Peter Pan sans heurter les mentalités!

En résumé, Menomena est un groupe extrêmement talentueux et intriguant mais qui demande pour être véritablement apprécié, de mettre tout son bagage musical au vestiaire. Parfois j'y parviens et la récompense est à la hauteur, parfois pas.

Menomena - The Pelican

Menomena - Wet & Rusting

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Et de deux

2007-04-02T10:13:00.000+02:00

Les plus fidèles d'entre vous auront remarqué que ce n'est pas votre rédacteur habituel (et bien-aimé) qui a rédigé le billet sur La Maison Tellier. Après avoir piloté tout seul ce petit blog pendant les deux premiers mois de sa genèse, je me suis en effet dit que ce serait intéressant d'inviter un deuxième chroniqueur au goût musical pointu et éclectique mais différent du miens pour compléter l'équipe. C'est donc Mr JF qui partagera dorénavant régulièrement ses coups de coeur et ses coups de gueule avec nous. Nous posterons tous les deux, lorsque cela nous tente, en essayant de garder la même cadence de post que précédemment pour ne pas inonder les gens. Youpie, nous avons un blog!

La Maison Tellier

2007-03-30T17:02:00.000+02:00

Noir Désir. Lâchez ces deux mots au milieu d’une conversation entre amateurs de musique et le silence s’installera. Lorsque l’on parle de rock français, il est dur de passer à côté du sujet. Depuis que le leader du groupe bordelais est à l’ombre, celle de Noir Désir ne cesse de planer sur la scène rock francophone. Tostaky dans les oreilles, encore beaucoup d’entre nous se refusent à quitter la position fœtale lorsqu’il s’agit de laisser traîner ses oreilles sur quelque galette en provenance de l’hexagone, de peur sans doute d’y trouver quelques clones insipides de la bande à Cantat, ou pire encore de Damien Saez.

Pourtant, collectif blues/folk/country rouannais créé en 2004 au nombre indéterminé de musiciens (mais ça tourne toujours autour de 5 ou 6) qui portent tous des pseudonymes ringards (Raoul, Helmut et Léon Tellier), La Maison Tellier, auteur d’un album éponyme il y a un an tout juste, étonne à plus d’un titre. Tout d’abord, ils écartent habilement le choix cornélien sur lequel tout jeune groupe francophone bute tôt ou tard: celui entre la langue de Shakespeare et celle de Voltaire. Jonglant de l’une à l’autre, parfois même au milieu des chansons, la Maison Tellier s’affranchit ainsi de toute contrainte linguistique, qui fait parfois passer les groupes chantant en anglais pour des baltringues aux yeux des francophiles convaincus et ceux chantant en français pour des intellectuels pédants dans d’autres cercles. Ensuite, l’album dégage une saveur un peu particulière, celle d’une vision un peu naïve, candide, d’un far ouest normand imaginaire, un far ouest fait de bordels miteux (La chambre Rose, La Maison Tellier,…), tueurs à gages (Il n’est point de sot métier), et de delirium minables (Après Dissipation). Loin des clichés et poncifs à la Route 66 – chapeau de cow-boy dont nous gratifient souvent les amateurs de Country tendance square-dance, la Maison Tellier donne dans le sincère, créant une contrée imaginaire, sortie tout droit d’un livre d’images pour adolescents rêveurs.

L’ensemble est plutôt cohérent et d’excellent niveau, mais ce sont surtout les plages écrites en français qui tiennent le haut du pavé. Une me tient particulièrement à cœur : La Chambre Rose, qui dépeint un passage matinal au bordel (véritable « fil rouge » de l’album) ,et un moment passé avec une des filles, que l’on devine être d’une élégance tapageuse comparable à celle que Guy de Maupassant décrit dans la nouvelle qui donna origine au nom du groupe. Dans un registre un peu plus surprenant, il figure sur cet album une reprise bien léchée du mythique « Killing in the Name », des Rage Against The Machine, où le texte anti KKK et engagé des Rage se mélange avec bonheur au son fleurant bon les Etats du Sud de la Maison Tellier. C’est cette reprise qui permit au groupe de percer au-delà de la scène locale normande et de passer sur quelques radios nationales françaises.

Des textes soignés sur une folk classieuse, aux références nombreuses (on pense notamment à Calexico lorsque les trompettes apparaissent ça et là) sans pour autant tomber dans le plagiat éhonté , la Maison Tellier, bordel provincial, à certainement son mot à dire dans une scène rock française un peu noyée par l’effervescence de l’anglo-saxonne. À noter qu’un deuxième album est programmé pour cet automne, histoire de voir si le country rock français a de l’avenir.

La Maison Tellier - La Chambre Rose

La Maison Tellier - Killing in the Name

Pour les plus intéressés, ou pour ceux qui en veulent toujours plus, la Maison Tellier offre au téléchargement leur premier EP autoproduit en 2004.

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Soulsavers ft Mark Lanegan

2007-03-28T14:39:00.000+02:00

Il faut toujours accepter les CD distribués gratuitement. Dernière preuve en date, la semaine passée au concert de Bonnie Prince Billy (superbe d'ailleurs), quelqu'un qui distribue un petit CD dans une pochette cartonnée à l'entrée de la salle. Ca ne paye pas de mine et je me dis que ça doit être une compile des artistes qui joueront au Domino festival le mois prochain et puis, surprise. Une pochette colorée annonce "Soulsavers" et en petit caractères, en dessous, on peut lire "ft Mark Lanegan & Will Oldham". Quoi? Mark Lanegan a un projet caché dont je ne serais pas au courant? Mais comment est-ce possible! Et bien oui, cela fait deux ans et demi que le groupe Soulsavers (inconnu au bataillon) enregistre un album sur lequel Mark Lanegan interprète 8 des 11 chansons. Will Oldham lui fait des backing vocals sur certaines chansons. Une équipe pareille et puis voilà, ils distribuent "comme ça", de manière nonchalante, un CD promo 4 titres... Ils devraient faire attention à ménager les gens, il y a des cardiaques...

Le vide médiatique autour de ce CD est tout à fait étonnant. Je me tiens relativement bien au courant des nouvelles sorties et des projets des uns et des autres et pas une fois je n'ai entendu parlé de Soulsavers. Ils n'ont même pas de page wikipedia encore (c'est dire!), aucune chanson sur HypeMachine, mais un myspace tout de même. Mark Lanegan est pourtant loin d'être un inconnu. Personnellement je le connais surtout pour sa carrière solo ("Field Songs" et "I'll take care of you" en tête, 6 albums déjà) mais il a fait partie de la scène grunge fin des années 80 début 90 avec son groupe "Screaming Trees" dont je découvre justement en ce moment l'oeuvre au coin de mon feu de bois (il y a tout de même 7 albums et quasi autant d'EP!). Ami de Kurt Cobain avant le succès de Nirvana, c'est à deux qu'ils réinterprètent le "Where did you sleep last night" de Leadbelly en 1990 sur "The Winding Sheet", premier album solo de Lanegan, bien avant que Cobain ne le reprenne sur l'"Unplugged in New York" de son groupe. Malheureusement pour Mark tous ses projets ne lui ont pas permis d'atteindre le succès qu'il mérite et une bonne partie du public le connait encore comme "le gars bizarre qui chante de temps en temps avec Queens of the Stone Age". D'ailleurs, a la sortie du "Ballad of Broken Seas" enregistré l'an passé avec Isobel Campbell (ex Belle and Sebastian) toutes les critiques de bas étage le réduisaient à cela alors que il s'agit plus d'une anecdote dans sa carrière. Si vous lisez un article qui ne dit que ça de Mark Lanegan, c'est un signe qu'il faut arrêter sa lecture là et que le gars n'y connait rien... Frustrant donc...

Il semblerait pourtant que presque tout ce que Mark Lanegan touche en ce moment se transforme en or. "Ballad of Broken Seas" était un régal et l'album de Soulsavers "It's Not How Far You Fall, It's The Way You Land" semble être de la même trempe à en juger les quatre chansons sur le CD promo. "Revival", qui sera leur premier single apparament, est une sorte de gospel/rock, rappelant ce que Dylan a pu faire période "Knockin on Heaven's door". Coeurs, orgue, et la voix sombre et puissante de Lanegan sur un texte traitant de rédomption et de pardon. finalement, à quoi pouvait-on s'attendre d'un groupe baptisé SoulSavers? "I want to see a revival tonight, Lord, let there be a revival!"... Il y a fort à parier que la religion et la spiritualité seront au centre de cet album.

Deuxième titre que je vous propose de découvrir "Kingdoms of Rain", qui se rapproche beaucoup plus des ambiances que l'ont retrouve sur les albums solos de Mark Lanegan. Une ballade sombre accompagnée au piano et à la guitare sur fond de pedal steel distordue... Ici c'est la fin d'une histoire d'amour qu'il nous raconte, une fin déchirante mais dans laquelle il reste classe. A nouveau, les références religieuses y sont nombreuses.

En résumé, cet album devrait être parfait pour les BBQ de l'été prochain! Ou presque.

Soulsavers - Revival

Soulsavers - Kingdom of Rain

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Pulp

2007-03-26T11:03:00.000+02:00

Un petit post aujourd'hui pour se rappeler à quel point Pulp nous manque. A la grande époque de la britpop, j'étais plutôt Oasis. Enfin, jusqu'à ce fameux "Be Here Now", acheté les yeux fermés, le coeur rempli d'anticipation, et tout de suite mis au placard pour cause de grosse daube. Oasis s'est ensuite obstiné à ternir le souvenir que j'avais d'eux (quoiqu'il me semble avoir entendu une bonne chanson sur leur dernier album, sûrement pas l'horreur que fut "Layla" en tout cas). Reste qu'à chaque fois qu'une petite nostalgie me prend et que je réécoute un de leur deux premiers albums je retombe dedans. Revenons à nos moutons, je m'égare. Des années plus tard, l'époque britpop est bien révolue (bien que certains voient parfois un revival dans la nouvelle vague de groupes anglais), et peu de groupes ont véritablement réussi à passer l'épreuve du temps. Beaucoup de ces albums sonnent très "1995", mais pas ceux de Pulp.

De Pulp à l'époque je ne connaissais que les grands singles de Different Class (Common People, Disco 2000) et ce n'est que des années plus tard que je suis tombé véritablement amoureux du groupe en écoutant "This is Hardcore" de part en part. Assimiler Pulp à toute la vague Britpop et ses "One hit/album wonders" est une grossière erreur. Le groupe existait depuis le début des années 80 même si le succès n'arriva véritablement que dans les années 90 et, passé l'énergie et le fun de ses grands tubes, Pulp est un groupe extrêmement intelligent mené par une des personnalités anglaises les plus charismatiques. Il ne faut pourtant pas réduire Pulp à Jarvis Cocker et son grand talent d'écriture. Preuve en est son récent album solo, un brin décevant, même s'il contient quelques grandes chansons ("Black Magic" et la piste cachée "Cunts are still ruling the World" en tête).

Pulp sont aujourd'hui séparés (il y a des rumeurs persistantes de reformation mais aucun des membres ne semble vraiment intéressé et Jarvis est bien trop occupé avec à écrire pour Charlotte Gainsbourg, Marianne Faithful ou encore Harry Potter) mais ils nous ont laissé 20 ans de carrière à découvrir et redécouvrir (personnellement je ne connais encore aucun des albums pré "Freaks"). D'ailleurs, pour nous inciter à le faire, en octobre dernier ils ont ressorti "His n Hers", "Different Class" et "This is Hardcore" en version Deluxe avec à chaque fois l'album original et un CD de chansons rares ou inédites. Pour une fois, tous les CDs bonus en valent vraiment la peine. Ce ne sont pas simplement des chutes de studios qui auraient mieux fait de rester dans une malle! Je ne peux donc que conseiller l'acquisition de ces versions, et pour vous convaincre je vous propose d'écouter le fabuleux "We Can Dance Again". Cette chanson aurait dû être un single entre la sortie de "His n Hers" et "Different Class" et le groupe pensait que ce serait son plus gros tube à ce jour. Seulement voilà, entre temps Jarvis et les siens ont pondu "Common People" et après leur prestation enflammée de la chanson à Glastonburry, "We can Dance again" est passée à la trappe et tous les efforts se sont concentrés pour sortir "Common People" le plus vite possible. Dommage car "We Can Dance Again", avec son petit côté kitch qui n'est pas sans rappeler "Winner Takes it All" de Abba, aurait sûrement cartonné et nous présente un Pulp à l'appogée de son art Pop.

Peu avares en sorties, Pulp ont également laché en novembre dernier une compilation de toutes les sessions radios enregistrées pour John Peel. Première session en 1983, la deuxième 10 ans plus tard, et puis quelques sessions supplémentaires jusqu'en 2001 et la sortie de leur ultime album "We Love Life". Cette compilation est évidemment indispensable et on y découvre vers la fin "Duck diving", un joli morceau parlé (le premier qui parle de slam sera forcé d'écouter l'album de Grand Corp Malade jusqu'à ce que mort s'en suive) au cours duquel Jarvis nous raconte ses souvenirs de colonie de vacances. Ca n'a pas énormément d'intérêt en soi, mais c'est une très jolie histoire, qui capture bien l'esprit appaisé de Pulp à cette période là et permet à Jarvis de laisser s'exprimer tout son talent de narrateur.

Pulp - We Can Dance Again

Pulp - Duck Diving (Peel Session 2001)

Et la prestation de "Common People" à Glastonburry en 1995, un an après la première, quand c'était devenu un tube immense. Cette version est disponible également sur le CD Bonus de "Different Class". La réaction du public après 1min50 est incroyable...

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Okkervil River

2007-03-22T13:58:00.000+01:00

Okkervil River c'est un groupe qui aurait dû devenir immense avec son dernier album, "Black Sheep Boy", sorti en 2005. Pour des raisons qui m'échappent ce ne fut pas le cas. Le public n'est pourtant pas complètement hostile à leur style musical folk/americana/rock. Preuve en est que d'autres songwriters américains modernes comme Bright Eyes parviennent maintenant à remplir facilement des grandes salles de concerts. Will Sheff et ses accolytes, pourtant tout aussi doués que Conor Oberst et son groupe peinent encore à jouer devant plus de 100-200 personnes dans nos contrées (ils ont déjà plus de succès dans leur propres pays, les Etats-Unis de l'Amérique).

"Black Sheep Boy" était peut-être trop ambitieux, pompeux, que pour obtenir un succès grand public mais c'est pourtant justement cela qui fait son charme. C'est un album "concept" qui trouve ses origines dans une chanson du même nom de Tim Hardin (musicien folk américain des années 60 qui participa au festival de Woodstock et fit partie de la scène effervescente du Greenwich Village avant de mourir d'une overdose dans les années 80). C'est sur la reprise de ce titre que s'ouvre l'album et tous les thèmes qui parcourent le disque y sont présentés : le rejet, l'indifférence, le fils prodigue... Le reste de l'album est une construction hystérique basée sur ce personnage, explorant toutes les facettes de ce "Black Sheep Boy" conté à la première personne par Will Sheff. On y découvre surtout les démons du narrateur et les différentes humeurs par lesquelles il passe. Ses humeurs sont présentées dans une alternance de chansons très calmes, ou le personnage se lamente sur sont sort ("Black Sheep Boy", "In a Radio Song" et surtout le duo avec une belle inconnue sur le passage à l'age adulte de "Get Big") , et de titres beaucoup plus relevés et dynamiques dans lesquels il relache toute la frustration accumulée au cours d'une vie jallonée d'amours déçus et d'incompréhension ("For Real" et l'incroyable "Black"). Plus qu'un album, "Black Sheep Boy" nous raconte véritablement une histoire et doit s'écouter de part en part avec la plus grande attention. Will Sheff n'écrit d'ailleurs pas des chansons aux structures classiques couplet/refrain/couplet/refrain/bridge/refrain, il y a rarement de rimes, ce sont toutes des petits fragments de vie qui parviennent à tenir ensemble grâce à l'habilité de leur compositeur.

L'album a été suivi d'un EP "Black Sheep Boy Appendix" quelques mois plus tards, qui continue des explorations sur le même thème, tout à fait indispensable également. D'ailleurs, la maison de disque (Jagjaguwar) a eu la bonne idée de rééditer les deux ensemble dans un seul coffret (et je pense avoir entendu qu'ils allaient encore sortir une version "deluxe", faudrait pas qu'ils exagèrent quand même). Cerise sur le gateau, le fascicule. Les illustrations qu'il contient sont parmis les plus belles qu'il m'ait été donné de voir dans un CD.

J'ai eu énormément de mal à choisir une chanson à présenter tellement l'album tient en un bloc et il est difficile d'en extraire un morceau. C'est donc finalement la plage d'ouverture que je vous propose, en guise d'introduction pour découvrir l'ambiance du disque et la superbe voix de Sheff. Pour le fun, je joins également la version originale. Cette chanson ne présente pourtant en rien tout le talent de songwriter de notre homme donc je rajoute en prime "The President's Dead", un titre tiré de leur EP "Overboard & Down" (uniquement disponible en Australie). N'y voyez pas une chanson protestataire dédiée à Georges Bush, il ne site pas de nom. C'est en fait une constatation sur la manière hypocrite dont lorsque quelqu'un de célèbre meurt, personne (et surtout pas les médias grands publics) n'est plus autorisé à dire du mal de lui pendant quelques semaines/mois. Cette personne devient canonisée "de fait" jusqu'à ce que l'émotion retombe. Il s'en suit un petit moment de grâce qui fait réfléchir les gens sur leur propre bonheur et les petits plaisirs du quotidien. En attendant leur prochain album (en cours d'enregistrement)...

Okkervil River - Black Sheep Boy (2005)

Tim Hardin - Black sheep Boy (1967)

Okkervil River - The President's Dead

Et pour ceux qui n'en ont jamais assez, la blogothèque a réalisé un superbe petit "Concert à Emporter" avec Will Sheff:

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Panda Bear

2007-03-19T18:15:00.000+01:00

Et voici déjà un concurrent très sérieux pour les tops de fin d'année, "Person Pitch" de Mr Panda Bear. Pour resituer notre homme, Noah Lennox alias Panda Bear est plus connu en tant que batteur et tête pensante de Animal Collective, aux côtés d'Avey Tare et Geologist. Animal Collective a sorti deux des plus beaux disques de ces dernières années, "Sung Tongs" en 2004 et puis le fabuleux "Feels" en 2005. Avant ça ils avaient déjà sortis 4 disques dans lesquels il y a à prendre et à jeter, principalement constitués d'expérimentations denses, psychédéliques, limite noise/bruitistes par moments qui peuvent mettre une énorme claque en live mais qui sont parfois difficiles à encaisser une fois mises sur CD.

Mais, comme le nom "Animal Collective" l'indique, le groupe est un collectif, une somme de personnalités qui se retrouvent régulièrement pour faire de la musique ensemble mais qui existent tous à part entière en dehors. Le nombre de projets solos ou avec d'autres qu'ils ont respectivment est impressionant. Panda Bear avait lui déjà trouvé le temps de sortir deux albums solos en plus de toutes ses collaborations. Un premier, éponyme, que je n'ai jamais entendu et " Young Prayer", qui pour moi ressemblait plus à du foutage de gueule qu'à un album puisque l'homme s'y contentait de faire glisser ses doigts sur des guitares et des mandolines désaccordées en lachant quelques phrases de temps à autres. Je n'étais donc pas convaincu de ses efforts solos, jusqu'à ce qu'arrive "Person Pitch". En fait, quasiment toutes les chansons qui composent cet album sont déjà sorties en single vinyl au fur et à mesure de leurs enregistrements mais à moins d'avoir un disquaire pointu ou d'habiter à Londres ou New York, peu de gens ont pu les entendre. Mr Panda a donc décidé de compiler tout cela et de le sortir sous la forme d'un album (sur Paw Tracks, le label maison d'Animal Collective).

Ce "Person Pitch" est tout à fait envoutant et pour partir à sa découverte je vous propose d'écouter "Bros", le premier "single" officiel du disque (qui était déjà sorti dans une version plus courte auparavant). 12 minutes et 30 secondes surprenantes. Le début du titre est très psychédélique et n'est pas sans rappeler le Velvet Underground des débuts ou bien ce que faisaient les Dandy Warhols et le Brian Jonestown Massacre au début de leurs carrières ("Every Day should be a holiday" des Dandy me vient particulièrement en tête), avant qu'ils ne virent pop80/stoner pour les uns et juste pénible pour les autres. Une voix distante porte le titre sur toute sa durée, épaulée par des harmonies vocales qui viennent souvent achever les phrases lorsque ce n'est pas tout simplement un petit cri de hibou ou des rires d'enfants sur une montagne russe. Le rythme reste constant et rêveur (qui a dit drogué?) jusqu'à la troisième minute , ou un maracasse vient accélérer légèrement le tempo. Vers la cinquième minute on croit entendre un bruit de train sur ses rails, puis des gens parlant en accéléré, sans jamais qu'on ne puisse vraiment savoir si on a vraiment bien entendu tellement le tout se mélange à merveille. Peu après la barre des 6.30 minutes, une guitare électrique vient peu à peu sortir la chanson de son somnambulisme, la voix change, se saccade, le tout ne devient plus qu'echos et l'ambiance se fait plus pressante, des explosion, quelques rires et pleurs, des feux d'artifices qui décollent... et toujours ce rythme entêtant derrière. Fade-out, comme si un train rempli de rêveurs était passé à côté de vous au ralenti, et disparaissait maintenant au lointain. Ca peut paraitre kitch mais c'est l'impression que laisse ce morceau.

Panda Bear - Bros

Label Paw Tracks - Myspace de l'album "Young Prayer"

En vrac

2007-03-12T10:16:00.000+01:00

Je n'ai pas l'intention de commencer à faire des critiques complètes et incisives de tous les disques qui sortent, préférant le mode "présentation" d'artistes que j'ai adopté depuis le début de ce petit blog. Néanmoins, comme je suis un homme qui vit avec son temps, je me sens tenu de livrer quelques impressions sur les dernières sorties dignes de notre intérêt! Alors, en vrac:

Arcade Fire - Neon Bible

Que dire sur Arcade Fire et ce très attendu deuxième album qui n'ait déjà été dit. Si vous avez échappé à la "hype" qui entoure ce groupe depuis ses débuts alors c'est que vous avez vraiment vécu dans une cage de Faraday insonorisée des médias musicaux depuis 2 ans. La particularité d'Arcade fire, c'est qu'ils méritent tout le succès et les éloges qu'ils reçoivent et qu'ils ont pondu un deuxième album qui n'a pas à palir devant ce qui restera probablement leur chef d'oeuvre absolu "Funeral". Neon Bible est une grande réussite, point barre. Deux petits bémols tout de même:
1. Le plus grand défaut de l'album est le séquençage des pistes. Cet album ne "coule" pas comme le faisait "Funeral". C'est en fait plus une superbe collection de chansons qu'un album
2. Pourquoi ré-enregistrer "No cars go", déjà présente sur leur premier EP? D'accord la nouvelle version est beaucoup plus épique et mieux produite que la première mais n'avaient-ils pas une nouvelle chanson supplémentaire à la place? J'aurais bien vu cette version figurer en face B d'un single ou bien sur un album live (puisqu'ils la jouent de cette manière à tous les concerts, ou du moins aux trois auxquels j'ai pu assister)

Bref, si vous n'avez pas encore Neon Bible, c'est un must.

Arcade Fire - Intervention

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Patrick Wolf - The Magic Position

Passons à Patrick Wolf, qui assurera d'ailleurs la première partie d'Arcade Fire sur quelques dates de leur tournée (pas à Bruxelles, où l'honneur reviendra à Electralane). J'attendais également beaucoup de ce troisième album de Patrick Wolf et contrairement à Neon Bible, ici c'est la déception absolue. Apparamment Patrick Wolf est heureux maintenant, il s'est teint les cheveux en rouge, il joue avec des animaux, et surtout quand Patrick Wolf est heureux, il vire power-pop. Je n'irai pas jusqu'à dire que quand Patrick est heureux, Patrick fait des disques chiants mais nous n'en sommes pas loin. Exit donc la mélancolie et la tristesse de "Wind in the Wires" et les expérimentations electro déjantées de "Lycantrophy", et place à des chansons qui respirent le bonheur et me tappent sur le système. Je ne dirai pas que c'est un échec absolu mais presque. Je vais quand même essayer de le réécouter (si j'en ai le courage) avant de statuer définitivement. Reste que s'il passe en concert près de chez vous ce n'est à manquer sous aucun prétexte, c'est un immense artiste live.

Rappelons nous quelques bons souvenirs...

Patrick Wolf - Wind in the Wires

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Of Montreal - Hissing Fauna, Are you the Destroyer ?

Les américains de Of Monteal reviennent avec un huitième album, qui si on en croit le buzz qui est en train de se faire pourrait les voir accéder à un niveau de reconnaissance supérieur. C'est un très bon album mais je n'accroche pas complètement, je lui préfère nettement ses deux prédecesseurs "The Sunlandic Twins" et "Satanic Panic in the Attic", ou encore le folk plus lo-fi de "The Gay parade". Comme je sais que certains d'entre vous écoutent régulièrement le très bon podcast d'un ex-animateur d'une célèbre station Belge je tiens à réagir à ce qu'il a dit à propos de Of Montreal. Il est complètement à côté de la plaque en les comparant aux Killers. Ce n'est pas cet album-ci qui va les faire remplir des stades et ces deux groupes n'ont vraiment rien de comparable. Cela ne prouve en rien ce que je dis mais pour le fun, comparons deux photos récentes, une de Of Montreal et une des Killers. A votre avis, lequel des deux groupes à un styliste qui leur dit comment s'habiller et une usine de marketing derrière?

The Killers
Of Montreal

Cela dit, j'aime bien les singles des Killers.

Pour présenter Of Montreal comme il se doit, voici une petite chanson qui devrait vous mettre le sourire...
Of Montreal - When the Party's Crashing Us

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Modest Mouse

2007-03-09T10:44:00.000+01:00

Modest Mouse c'est le prototype du groupe de rock qui flirte toujours entre le milieu de l'indépendant et le grand public. C'est le conflit "indy" contre "mainstream" incarné. En 2000 ils ont reçu les louanges de toute la critique et l'amour des amateurs du genre en sortant "The Moon and Antarctica", qui reste leur meilleur album à ce jour. Ils retournent ensuite dans leur Oregon natal et pondent un 4e album ("Good news for people who hate bad news"), accueilli en 2004 avec pas mal de réserves... justifiées puisqu'il est nettement moins inventif et riche que son prédécesseur. C'est pas un ratage pour autant, il laisse juste un peu indifférent. Seulement voilà, cet album contient la chanson "Float On" qui sera un énorme succès grand public (pas grand public style Madonna non plus, n'exagérons rien). L'album arrivera jusqu'à la 18e position dans les charts américains et la chanson a été récupérée sur des B.O. de séries télé (The O.C. notamment). Bref Modest Mouse, tout le monde a déjà entendu ceci quelque part:

Modest Mouse - Float On

Et nous voilà en 2007, Modest Mouse s'apprête à sortir son 5e album, le premier depuis son énorme succès. Tout le monde se demande la direction qu'ils vont prendre, rock grand public à la Killers ou rock plus expérimental comme à leur début? Et bien pourquoi choisir quand on peut excéller dans les deux? C'est précisément ce qu'ils ont fait sur "We were dead before the ship even sank". Un album qui se rapproche de "The Moon & Antarctica" dans l'esprit, et puis ils rajoutent un petit tube dance-rock, juste pour le plaisir (ça fera surement plaisir à leur maison de disques aussi d'ailleurs). Mais ce n'est pas la seule surprise puisque de son grand chapeau, Modest Mouse a tiré Johnny Marr (ancien guitariste des Smiths, qui pataugeait un petit peu avec ses Healers ces derniers temps)! Il fait maintenant partie intégrante du groupe et co-écrit les chansons. Alors est-ce que Johnny Marr se fond dans Modest Mouse ou bien est-ce qu'il transforme cela en Modest Smiths? Et bien c'est plutôt la première solution, la patte de Johnny Marr n'est pas spécialement reconnaissable à première vue, mais avoir un petit "Guitar-Hero" sous la main ne peut pas faire de mal tant qu'il ne nous inflige pas des solos vaseux. Faut dire que les Smiths datent des années 80 et que le mec a heureusement évolué depuis.

Pour découvrir cet album quelques jours avant sa sortie officielle (le 20 mars) je vous propose deux chansons. "Dashboard" tout d'abbord, c'est le tube, gratification instantanée, pas besoin de réfléchir. Une petite guitare qui donne envie de bouger son postérieur, une trompette qui accentue la mélodie, petit coup de synthé parce que ça donne (presque) toujours bien, une accélération, break, ça repart de plus belle, paroles faciles et enjouées que tout le monde peut retenir (The dashboard had melted but we still had the radio!). Une grande réussite si vous me demandez mon avis. La deuxième chanson, "March into the Sea" est la plage d'ouverture de l'album et c'est une toute autre histoire. Ca commence par un petit mélodica (mon instrument fétiche!), enregistré d'assez près que pour entendre les touches qui s'abaissent et puis arrive la voix et le ton de l'album est donné: Dr Jekyll & Mr Hyde. Le chanteur démarre avec tant de puissance et de haine que même Chuck Norris en perdrait sa barbe, et ponctue ses phrases de rires maniaques. Puis tout à coup ça s'arrête et c'est le contraire, une petite voix douce, mais complètement hypocrite prend le relais. Au bout du compte ce sera pourtant Mr Hyde qui l'emportera...

Modest Mouse - Dashboard

Modest Mouse - March into the Sea

Et pour le plaisir, re-regardons ensemble le clip de "Third Planet, petite merveille de DIY (Do It Yourself). Le meilleur passage commence après 1.45 minutes environ.

Site Officiel - Amazon

volcano!

2007-03-04T21:57:00.000+01:00

volcano! (ne pas oublier le point d'exclamation et la première lettre en minuscule, les groupes sont de plus en plus regardants sur leur ponctuation) c'était l'ovni de 2006. Sorti de nulle part, si ce n'est Chicago, ils ont laché leur premier album "Beautiful Seizure" sur le label The Leaf Label (Hawk & a Hacksaw, Four Tet) sans prévenir, lancé par un single imparable "Apple or a Gun". Un an après je réécoute régulièrement cette chanson, parfois plusieurs fois de suite même, sans jamais m'en lasser. Pour se faire une idée de leur musique, je reprendrai une description lue sur un forum à l'époque (je ne me souviens malheurement pas qui a dit ça donc je ne peux pas l'attribuer): c'est comme si Mars Volta décidait de reprendre du Radiohead. On retrouve en effet les guitares qui se superposent et les dissonances présentes chez Mars Volta (que je n'ai d'ailleurs jamais vraiment aimé) et un sens de la mélodie enfouie, cachée sous la structure complexe de la chanson, pas trop éloigné de ce que peut faire Radiohead. Cela donne une idée mais c'est encore incomplet. Je rajouterais que Mars Volta reprend du Radiohead sous la direction d'Animal Collective, tellement leurs chansons fourmillent d'idées et peuvent changer de style plusieurs fois en 4 minutes avec une facilité déconcertante. Dernière petite touche pour parfaire la description, ils ont engagé un batteur qui aime autant frapper sur toutes ses caisses à la fois dans un joyeux vacarme que tenir un rythme limite dance, rappelant par moments ce que font des gens comme The Rapture. Voilà, je crois que ça fait assez de points de comparaison non?

Mais volcano! ce n'est pas que de l'instrumental. Sur leur musique faussement désorganisée vient se greffer une voix un peu fausse qui pravient à soutenir parfaitement la frénésie du groupe. Tantôt il chante vraiment, tantôt il hurle ou pousse des petits cris stridents, tantôt il parle comme un journaliste commentant des combats en accéléré et pousse le bouchon jusqu'à invectiver directement l'auditeur "What would you have done? What would you have done! With a gift so damn ambiguous it could be an apple or a gun...". C'est complètement hystérique, on s'embête pas une seconde.

Leur site internet ne déborde pas d'infos sur le groupe, après avoir sorti leur album et fait quelques concerts en Angleterre ils sont repartis d'où ils étaient venus. On ne peut qu'espérer qu'ils préparent le petit frêre de "Beautiful Seizure" quelque part le long du lac Michigan mais de toutes façons on n'aura probablement pas encore fini de digérer cet album-ci d'ici là.

volcano! - Apple or a Gun

volcano! - Easy Does It

Myspace - Amazon

Interpol vs Warsaw

2007-02-28T17:09:00.000+01:00

- Stop me if you think you've heard this one before -

Nouvelle rubrique sur ce petit blog, baptisée en l'honneur d'une célèbre chanson des Smiths. Le principe est simple, je mets deux chansons, une d'un groupe actuel et la deuxième d'un groupe plus ancien duquel le premier s'est inspiré. Le but n'est pas du tout de dénigrer le travail du groupe actuel, je ne parle pas des groupes que je n'aime pas (ceci est un blog d'amour!), mais plutôt de voir un petit peu d'où ils viennent.

Pour le premier billet de cette rubrique, je n'ai pas été cherché très loin se diront beaucoup. Quand Interpol a sorti son premier EP tout le monde les a comparés à Joy Division. Pourtant pour moi la similitude n'a jamais été aussi frappante qu'on le dit. Bien sûr les deux chanteurs ont des tonalités de voix similaires, et les ambiances sont assez noires chez les deux groupes. A part cela je trouvais, et je trouve toujours, qu'Interpol avait son propre style et ne devait pas tout à Ian Curtis et sa bande. Je n'ai vraiment compris ce dont tout le monde parlait que lorsque j'ai écouté "An Ideal for Killing" de Warsaw pour la première fois. "An Ideal for Killing" est en fait une collection de chansons enregistrées par Joy Division avant qu'ils ne prennent ce nom, quand ils s'appelaient encore Warsaw (nom inspiré de la chanson "Warzaza" sur l'album "Low" de Mr David Bowie). Ils n'ont jamais sorti d'album sous ce pseudonyme mais bien quelques singles, compilés sur ce disque avec quelques enregistrements live.

Sur cet album, il y a une chanson, "Novelty", qui contient vraiment tous les ingrédients repris par Interpol. La voix, la basse, le son de la guitare et surtout le phrasé du chanteur. J'ai été fouiller dans mes albums d'Interpol pour retrouver la chanson exacte à laquelle cela me faisait penser et c'est "Roland", issues de leur premier album. La ressemblance est frappante pour moi, mais ne le sera peut-être pas pour d'autres (après tout il m'a bien fallu entendre ce morceau pour enfin voir clairement le lien entre ces deux groupes). On peut noter cependant trois grandes différences entre ces deux chansons:

La production : Warsaw sonne assez brouillon (cela s'améliorera nettement avec Joy Division), tandis que les albums d'Interpol sont toujours superbement produits, voir sur-produits
L'intro : Warsaw a pondu le style d'intro que des groupes comme Interpol ou les Libertines cherchent depuis toujours, mais qu'ils ne sont jamais parvenus à réussir aussi bien que Warsaw l'a fait sur "Novelty"
Les paroles: Voici un petit extrait des paroles de "Roland" d'Interpol. Je crois que ça se passe de commentaire.

" my best friend's a butcher, he has sixteen knives
he carries them all over the town at least he tries
oh look it stopped snowing
my best friend's from Poland and um, he has a beard
but they caught him with his case in that public place
that is what we had feared "

La profondeur des textes n'a jamais été le point fort d'Interpol de toutes façons... et ça ne les empêche pas de faire de superbes albums.

La suite, vous la connaissez, Joy Division obtient un beau succès d'estime avec ses deux albums "Unknown Pleasures" et "Closer" puis Ian curtis se suicide à la veille du départ du groupe pour une tournée américaine qui leur aurait probablement garanti un succès grand public. Les membres restants forment New Order, pour le meilleur et pour le pire. La dépouille d'Ian Curtis est exploitée: sorties d'enregistrements divers, livres et biopic en préparation... Pour interpol on attend le troisième album cette année et ils sont déjà annoncés à l'affiche de certains festivals cet été.

1978 : Warsaw - Novelty

2002 : Interpol - Roland

The Dead Science

2007-02-26T10:24:00.000+01:00

Ceux qui me connaissent un petit peu savent que j'ai quelques obsessions musicales, et que les américains de Xiu Xiu figurent parmi mes plus grandes. Je vous prépare d'ailleurs une série de posts pour partir à leur découverte. Aujourd'hui ce n'est pourtant pas de Xiu Xiu qu'il sera question mais bien d'un groupe satellite, The Dead Science. J'appelle groupe "satellite" tous les groupes qui tournent autour d'un autre (collaborations, tournées, amitiés, sur le même label, etc) et on peut dire que Xiu Xiu m'a fait découvrir pas mal de choses dont The Dead Science. Ils ont tourné ensemble, Xiu Xiu a produit quelques chansons pour eux, ils se remercient sur leurs albums respectifs, et ont tous les deux sortis des disques sur un de mes labels préférés, les Californiens de Absolutely Kosher Records (également responsables de Frog Eyes, Pinback, Hidden Cameras, The Wrens, et bien d'autres).

The Dead Science c'est trois gars, un guitare/voix, une contrebasse et une batterie, tous musiciens de Jazz à la base. Ils créent ensemble une musique assez calme mais avec une tension permanante, voir malsaine par moments. La voix du chanteur est particulère, un falsetto assez haut perché, ce qui leur vaut d'ailleurs d'être tout le temps comparés à Xiu Xiu alors que musicalement ils ont vraiment leur style bien à eux. Les guitares vont des arpèges délicats aux crissements distordus, mais toujours délicat jamais bourrain. Je tiens également à attribuer une mention spéciale au batteur, qui arrive à soutenir des rythmiques tout à fait particulières et en phase avec les constructions alambiquées des chansons. Sa formation de Jazz ne doit pas y être pour rien...

Le groupe a sorti un premier album en 2003, Submariner, que je n'ai jamais écouté. Par contre leur deuxième album "Frost Giant" sorti en 2005 est une petite merveille. Vraiment un album hanté, terrifiant et assez excitant à la fois que je ne peux que vivement conseiller dans son entièreté à quiconque appréciera la chanson ci-dessous. Ils ont également sorti deux EP, dont "Bird bones in the Bughouse" d'où est issue la chanson que je vous propose. Cette chanson c'est "Sign your Name", une reprise de ce bon vieux ringard de la fin des 80's début 90's qu'était Terrence Trent D'Arby. De la petite déclaration d'amour gentillette de Mr D'Arby, Dead Science a fait une chanson terrifiante ou on imagine plus un psychopathe obsédé qu'un amoureux. Quand D'Arby nous laisse penser qu'il veut qu'on signe sur son coeur avec un gros stif rouge amour, Dead Science nous donne l'impression qu'ils rêvent qu'on grave ce nom avec au couteau. J'ai découvert cette chanson quand ils l'ont jouée en automne dernier en première partie de Casiotone for the Painfully Alone. Je ne connaissais à l'époque que leur 2e album et cette chanson m'a complètement retourné. Tout comme le reste de leur prestation d'ailleurs. Je peux dire qu'elle fait maintenant partie du Top 20 de mes chansons préférées de tous les temps (même si je ne me suis jamais osé à faire un classement officiel, je sais juste ce qui est dedans et ce qui ne l'est pas).

Voici donc "Sign your Name" par The Dead Science. Je vous propose également la version originale de Terrence Trent D'Arby pour ceux qui ne se souviendraient pas très bien (5 points pour celui qui parvient à l'écouter jusqu'au bout).

The Dead Science - Sign Your Name

Terrence Trent D'Arby - Sign Your Name

Quatre femmes pour 2007

2007-02-23T15:12:00.000+01:00

Je constate souvent avec effroi qu'il y a extrêmement peu de voix féminines qui sortent de mes enceintes mais je n'arrive pas à savoir pourquoi. "Macho! Sexiste!" s'exclament les foules. Pour remédier à cette injustice j'ai décidé de consacrer ce billet à 4 femmes qui feront parler d'elles (je l'espère) en 2007, j'ai nommé: Marissa Nadler, St Vincent, Emmy The Great et Nina Nastasia.

Marissa Nadler

Marissa Nadler c'est une voix angélique, dans la droite lignée de la récemment réhabilitée Vashti Bunyan. Originaire du Massachussets, ses chansons sont de vraies petites perles folk, complètement enchanteuses. Son deuxième album "The Saga of Mayflower May" était une révélation pour moi et là elle vient de sortir son 3e album "Songs III: Bird on the Water", qui j'en suis certain sera tout aussi bon. Je vous propose de l'écouter dans une reprise du "Famous Blue Raincoat" de Leonard Cohen, pas qu'elle n'ait pas assez de bonnes chansons à elle mais cette reprise est incroyable

Marissa Nadler - Famous Blue Raincoat

St Vincent

La deuxième dame de ce billet c'est St Vincent, de son vrai nom Annie Clark. Elle s'est une toute autre histoire, des chansons pop/rock pincipalement basées sur de la guitare électrique et du synthé/piano. Découverte seule en scène en première partie de Sufjan Stevens en Novembre dernier, elle m'avait vraiment épaté. Les plus Belges d'entre vous noteront peut-être une vague ressemblence avec An Pierlé. Je vous propose ici une chanson de son unique EP à ce jour, acheté au concert, "Paris is Burning".

St Vincent - Paris Is Burning

Emmy the Great

Retour à Londres avec Emmy the Great. C'est à nouveau une artiste féminine en solo, principalement voix et guitare mais régulièrement accompagnée de violons et autres instruments à cordes. Son style rappelle une Martha Wainwright en plus dépouillée. Elle est peut-être un petit peu plus difficile d'accès que les deux artistes précédentes mais elle mérite vraiment toute votre attention. Elle n'a pour l'instant sorti qu'un single "Secret Circus" et est un de mes grands espoirs pour 2007.

Emmy The Great - Paper Trails

Nina Nastasia

La dernière femme du jour c'est Nina Nastasia. Il est étonnant que cette New Yorkaise n'ait pas encore véritablement percé. Elle a tout pour réussir, des mélodies entêtantes, une voix particulière, et le soutien d'autres artistes célèbres. Elle en est maintenant à son troisième album (+ un EP bien fourni), qui on l'espère pour elle sera celui du succès. Pour la découvrir, je vous propose "Stormy Weather", un titre de son deuxième et meilleur album à ce jour "Dogs"

Nina Nastasia - Stormy Weather

Wires on Fire

2007-02-21T16:10:00.000+01:00

Après de l'électro cabaret allemand, du crooner texan, de l'indie pop de Cardiff et du rock Canadien, je vous propose aujourd'hui du punk de Los Angeles. Pourtant, ironie du sort, ce n'est pas le côté punk du groupe (qui représente environ 98% de son répertoire) qui m'a attiré vers eux, mais bien une ballade gorgée de Jack Daniels qui rappelle en vrac quelques grands moments de Tom Waits ou encore quelques vieux standards blues...

Wires on Fire c'est donc un petit groupe de Los Angeles, principalement punk/rock, qui après avoir sorti un EP intitulé "Homewrecker" l'an passé vient de nous gracier de son premier LP subtilement intitulé "Wires on Fire" (trop fort!), le tout sur Buddyhead Records. Pour rappel Buddyhead records est le label spin-off du webzine Buddyhead qui s'est fait une sacrée réputation ces dernières années grâce à leur section "gossip" dans laquelle ils nous livrent tous les potins du monde du rock américain, en y allant toujours de leurs petits commentaires souvent bileux, presque toujours justes. Ils se sont un petit peu calmés ces derniers temps mais si vous remontez dans leurs archives vous pourrez trouver des pages entières assez hilarantes. Ils s'étaient d'ailleurs fait une spécialité de publier online les numéros de GSM privés de célébrités chiantes en incitant leurs lecteurs à les appeler (Axl Rose, Anton Newcombe, Tara Reid, Mandy Moore ... en ont fait les frais). C'est également eux qui ont publié les 24 règles à respecter quand on va à un concert, pleines de bon sens.

Revenons-en à Wires on Fire maintenant. C'est donc 4 gars de LA principalement inspirés selon leurs propres dires par Birthday Party (le groupe de Nick Cave dans les années 80 pour rappel), Black Sabbath (hmmm Ozzy Osbourne), The Damned ou encore les Beach Boys. Personnellement ils me rappellent déjà plus les défunts Death From Above 1979 pour la rythmique et le son un peu crade, Icarus Line (autres groupe signé sur BuddyHead) pour l'énergie brute parfois au dépend de la mélodie et finalement les également regrettés At The Drive in pour les guitares et les gueulantes.

Mais comme je vous l'ai dit au début du post, ce n'est pas tout ça qui m'intéresse le plus chez eux, c'est cette chanson, "Dusty Bibles lead to dirty Lives". Rien que le titre évoque déjà les pasteurs protestants du sud et la débauche des villages de bouseux. La chanson commence par une voix rauque et calme, accompagnée d'une petite guitare blues. Puis, petit à petit le tout s'accélère, des respirations halètent en rythme, la batterie s'afolle et leur côté punk ressurgi avant de laisser retomber le tempo et céder la place à des harmonies vocales en guise de final. Bref, c'est superbe.

Vous pouvez découvrir ce morceau ici, ainsi qu'un deuxième "Sleeping Witches" plus représentatif de leur style général et fort réussi également...

Wires on Fire - Dusty Bibles Lead to Dirty Lives

Wires on Fire - Sleeping Witches

PS: vous avez remarqué le gars derrière le bassiste sur la photo?

Tokyo Police Club

2007-02-16T15:53:00.000+01:00

Tokyo Police Club (en slip sur la photo) c'est quatre gars de Toronto, dont le style rappelle furieusement celui de cinq gars de New York, les Strokes. C'est bien du rock simple, accrocheur et direct comme leurs cousins américains qu'ils nous proposent et non des choses plus "arty" comme la dernière vague de groupes canadiens. Faut dire la plupart de ces groupes étaient issus de Montreal, qui a une mentalité radicalement différente de Toronto... ça doit bien expliquer quelque chose non?

Ils viennent de sortir un mini album intitulé "A lesson in Crime" et font déjà beaucoup parler d'eux sur l'Internet. Même si la comparaison avec les Strokes est inévitable, surtout dans "Cheer It On", ils ont leur propre style à offrir comme le montre le morceau un peu plus groovy qu'est "Nature of the Experiment". A voir en tournée en ce moment un peu partout en Europe.

Voilà, je ne pense pas qu'il faille écrire des tartines sur eux: c'est simple et ça fait du bien par où ça passe!

Tokyo Police Club - Cheer It On

Tokyo Police Club - Nature of the Experiment

Los Campesinos

2007-02-13T20:35:00.000+01:00

Ce groupe de Cardiff se résume très bien tout seul dans la première phrase de "It Started with a Mixx" : "Trying to find the perfect match between pretentious and pop,..." Los Campesinos c'est ça. Un groupe extrêmement facile d'accès, pas de prise de tête, qui compose des chansons délivrant un plaisir instantanné à leur auditeur. Ils ne sont pas là pour faire pleurer ou réfléchir mais bien pour s'amuser, faire sautiller les gens sur leur siège et pourquoi pas les faire danser tout simplement.

Et puis, après quelques écoutes, on se rend compte que sous leur façade guillerette leurs morceaux sont rudement bien ficelés, en plus d'avoir une mélodie accrocheuse. Ce n'est d'ailleurs pas un hazard s'ils ont attiré l'attention d'un label sur base de 3-4 morceaux postés sur internet. C'est donc sur Wichita (Bloc Party, Blood Brothers (Fire!Fire!Fire!), Clap you hands say yeah, Bright Eyes, etc...) qu'ils sortiront fin février leur premier single "We Throw Parties, You throw Knives!", un chanson déjà bien plus ambitieuse que les deux morceaux que je vous propose un petit peu plus bas, et dont le refrain n'est pas sans rappeler certains morceaux des canadiens de Stars.

Le premier album de ce "septet" (ils sont sept quoi...) devrait suivre dans le courant de l'année et je suis déjà prêt à parier qu'ils seront à mon année 2007 ce que Guillemots fut à 2006: le groupe pop qui me met tout de suite de bonne humeur... Et tout comme Guillemots, un sérieux vent de fraicheur par rapport à tous ces groupes de pub rock vaseux made in the UK qu'on tente de nous faire avaler chaque année!

Sans plus attendre, voici deux petites perles de Los Campesinos, téléchargées il y a quelques mois sur leur myspace quand ils n'avaient pas encore vendu leur âme au diable et retiré l'option "download" sur leurs chansons ;-)

Los Campesinos - You, Me, Dancing!

Los Campesinos - It Started with a Mixx

Micah P. Hinson

2007-02-11T21:43:00.000+01:00

Je ne sais plus bien comment j'ai découvert Micah P Hinson, probablement au hazard des liens internet il y a environ 3 ans. Son album "Micah P Hinson and the gospel of progress" m'avait tout de suite ébloui. Une voix grave et profonde pleine d'émotion, un jeu de guitare qui rappelle Jeff Buckley selon certains (coucou Alain) et des chansons extrêmement tristes, la rupture et la dépression étant les deux thèmes principaux sur cet album. J'ai beaucoup écouté ce disque à l'époque, sans jamais vraiment me renseigner sur le pédigré de son auteur, puis au fil des mois je l'ai peu à peu laissé de côté...

L'homme s'est rappelé à moi récemment, lorsqu'en parcourant un agenda des concerts je tombe sur son nom. Joie immense, surtout qu'entre temps on m'avait dit le plus grand bien de ses prestations scéniques. Joie immédiatement atténuée en voyant qu'il se produisait le même jour que les Decemberists... Choix cornélien, dans lequel on m'a un peu aidé en m'achetant une place à mon insu. C'est sans regrets aucun, après l'avoir vu je suis de nouveau complètement accro.

Pour la petite histoire, Micah est jeune, 25 ans environ. Pendant toute la période où je découvrais son premier album je pensais que c'était un baraudeur endurci d'une quarantaine d'année mais pas du tout. Son myspace nous raconte toute sa vie depuis son enfance à Abelene au Texas (le trou de cul du monde selon lui), ses disputes familiales, sa rencontre avec une "veuve noire" qui le fera sombrer dans divers dépendances et son bref passage en prison pour avoir falsifié des ordonances. Une vie d'artiste romantique en somme. A 22 ans il sortit son premier album "... and the gospel of progress", dans lequel il a été aidé par le groupe The Earlies (fort recommandable aussi par ailleurs). Il a rencontré un succès d'estime j'imagine, en tout cas pas grand public. Son deuxième album officiel est sorti l'an passé et s'intitule "... and the opera circuit", il a été composé avec un orchestre de cordes de 14 personnes. Je n'en dirai pas plus sur cet album car je ne le connais pas encore bien mais les quelques écoutes et le concert d'hier me laissent présager que bien qu'un peu moins accrocheur que le premier il est également saisissant. Entre les deux albums il a aussi sorti "The Baby and the Satellite", recueil de chansons datant d'avant son premier album et de qualité assez inégale.

J'ai sélectionné pour vous deux chansons pour partir à la découverte de Micah. "Yourself asleep again", parce que c'est la première que j'ai entendue de lui et j'ai instantanément adoré. "On my Way" parce que c'est une putain de chanson, tout simplement, et après sa prestation d'hier j'ai été obligé de la réécouter tout de suite. Et encore cinq ou six fois aujourd'hui.

Micah P Hinson - Yourself Asleep again

Micah P Hinson - On My Way

Leichtmetall

2007-02-10T15:38:00.000+01:00

Pour commencer le volet musical de ce blog en beauté je vous propose de découvrir LEICHTMETALL (à prononcer Laïchtmetâââll, en prenant une voix ténébreuse). On pourrait croire que c'est encore un groupe de deathcore industriel allemand mais pas du tout. Enfin, elles sont allemandes, mais leur musique se rapproche plus de l'operette qu'autre chose. Composé de deux petites berlinoises aux doux noms de Marion Dimbath et Nicola Schupfreling (Nicola est une fille) ce groupe a sorti un premier album intitulé "Wir sind blumen" (nous sommes des fleurs) il y a quelques mois sur le label Karaoke Kalk. Je ne prétendrai pas connaitre ce label, majoritairement électro, mais comme ça vous le savez.

Ces deux demoiselles composent des petites chansonnettes en allemand, toutes mignonnes, à l'aide de leur glockenspiel, tuba, trombonne, boites à rythmes et autres instruments burlesques trouvés au hazard de leurs pérégrinations. Ne vous laissez pas leurer par leurs tronches effrayantes sur la photo, c'est plein d'humour et de second degré. La chanson que je vous propose s'intitule "Wir sind keine Kabarettisten", ce qui signifie "nous ne sommes pas des cabaretiers". Je sais pas si le mot cabaretier existe en français. Elles y chantent qu'elles ne sont pas des cabaretiers, qu'elles n'ont jamais inventée de blague, qu'elles n'ont jamais donné de plaisir au public et qu'elles ne ressemblent pas à des artistes de cabaret. Imaginez ces deux filles vous chanter ça avec le plus grand sérieux en vous regardant droit dans les yeux. Moi j'adore.

Leichtmetall - Wir Sind Keine Kabarettisten

Youpie, j'ai un blog!

2007-02-09T16:04:00.000+01:00

Bienvenue à vous ,

Je m'étais toujours dit que je ne ferais jamais de blog mais voilà, je craque, je tiens à rester dans le coup et puis il n'y a que les cons qui ne change pas d'avis. Puis de toutes façons vu que je m'emmerde de temps en temps au boulot pour l'instant (en attendant de changer ;-) ), autant transformer ces temps morts en quelque chose de constructif.

Mon idée de base est de mettre chaque semaine une chanson, ancienne ou nouvelle, qui a rythmé mes derniers jours, afin de la partager et de la faire découvrir à ceux qui en ont envie. Révolutionnaire me dites vous! Et bien non, figurez vous que je ne suis pas le premier à l'avoir eue. Fou ça! Mais bon, l'idée de base c'est du vent bien que j'essayerai de la respecter. Qui sait, peut-être que ce sera deux fois par semaine, voir même trois, puis je raconterai probablement quelques conneries de temps à autres, mettrai des photos, on verra bien! Qu'il est gai d'encombrer l'internet de conneries supplémentaires!

Youpie, j'ai un blog!
Renaud